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Miss Van à la Galerie Openspace : « ma peinture a toujours été dans l’émotion »

Miss Van est une artiste fascinante qui prend le temps de regarder dans le rétro de sa production artistique, à l’invitation de la Galerie Openspace.
Celle qui se dit nomade et dotée d’un monde intérieur très riche, ne donne pas de prénoms à toutes ces femmes qu’elle peint. « Elles sont des personnages à part entière et c’est que si c’était dérivé d’un même personnage, à chaque fois. C’est une évolution du personnage féminin en général. Je voudrais que les femmes puissent s’y retrouver. »
La peinture est la chose la plus précieuse pour Miss Van, raison pour laquelle, elle n’a jamais voulu devenir une marque.
Rencontre délicieuse autour de 3 œuvres exposées. 

Miss Van

Gitana VI : « une sorte de synthèse de mon travail. »

« Cette toile a 2 mois, je l’ai faite en Californie, après une expo sur les portraits de Maori.
Des peintures du XIXe siècle incroyables. J’ai été complètement submergée par le portrait classique, pyramidale, intemporel et solennel. A la fois doux et guerrier, avec le cuir, la peau, les plumes, tout ce qui donne de la force à la parure. Et je travaille là-dessus depuis longtemps.
Ça m’a redonné envie de renouer avec le portrait, avec mon propre folklore, un mélange de plein de choses, du Brésil, de Mexico.
Ça me permet d’être libre, je passe de choses très minimales, des corps nus à des choses à choses très élaborées, composées.
C’est comme un playground. Je mélange toutes les couleurs. Il y a quelque chose de très gitan.
Je n’ai pas une culture mais plusieurs. Je pourrais vivre dans plein d’endroits, parler plusieurs langues. »
Miss Van

Twinkles : « Si elle se vend, ça me fera mal au cœur. » 

« C’est la série Twinkles, sombre, romantique, réalisée en 2010, à Barcelone, dans un sous-sol sans lumière. Elle a été exposée à la galerie Magda Danysz à Paris puis transférée à Shanghai. Elle a été aussi exposée à New York au Museum of Sex pour une expo street art.
C’était une manière de sortir la lumière d’une autre façon, de partir sur une base de fond très sombre et de corps nu mais maquillé. C’est une série qui est en rupture et une prouesse aussi de travailler une gamme très sombre.
Et faire des portraits très classiques, intemporels. Elle est associée à une autre toile avec un vautour. J’ai gardé cette œuvre que je mets à la vente un peu à contrecœur.
Je garde tout, en fait. »

Miss Van
Lagrimas de Mariposas : « ma peinture a toujours été dans l’émotion »
« C’était après une rupture, pour l’exposition Lagrimas de Mariposas, en 2006. Une expo un peu triste. 
Le maquillage de clown triste c’était pour accentuer l’aspect dramatique. 🙂 
Toute la série était comme ça, travailler le dépouillement, le rien, le vide, le côté anéanti. 
Je me rappelle de tous mes ex avec ma peinture. Mes peintures sont mes repères pour les histoires. Avant qui, après qui, ce que je ressentais…
Je suis tellement sincère dans ma peinture, ce sont des témoignages réels. »

Miss Van, qui tentes-tu d’imiter ? 

« Quelle question horrible ! 😉
On a tous des influences. Mais j’ai jamais eu envie d’imiter quelqu’un. Car ma préoccupation était d’être unique et différente de ma sœur jumelle et de tout le monde.
Et qu’on me voit, pour des raisons personnelles, pas pour être connue.
J’avais besoin de me séparer de ma sœur où moment où j’ai commencé à peintre, à être différente, à me raser la tête, à me colorer les cheveux, à mettre une grande robe de princesse pour qu’on me voit la nuit. J’avais une rage et un besoin d’identité.
Petit à petit, avec les années, j’ai eu moins besoin de me justifier.
J’ai eu de la chance que mon travail soit toujours resté personnel. J’ai eu de la concurrence, ça m’a poussée. Des années difficiles à être seule, je me suis forgée une personnalité d’acier. C’est pour cela que je peins des guerrières, des amazones, des muses.

C’est un peu une idéalisation de la femme. Pour moi, c’est important qu’elle soit féminine, fragile et forte à la fois. » 

Miss Van
portrait de Miss Van par Julie Morize

Leonor Fini, un modèle ? 

« J’en ai marre que l’on m’associe au street art. J’ai fait une expo avec Leonor Fini, artiste des années 50, hyper libérale et révolutionnaire en son temps. Pas assez connue, parce que c’était une femme. Elle a toujours été célibataire, elle a vécu en trio, elle avait plein d’amants. Ses peintures étaient hyper érotiques et dérangeantes. Et je me retrouve vraiment dans son travail. 
C’est la 1ère fois que je vois mes tableaux à côté de ceux d’une autre artiste qui n’est plus de ce monde. Mais en ayant l’impression de dire les mêmes choses et d’avoir un peu la même sensibilité. Et ça m’a vachement émue. 
Et je me dis que mon travail doit être plus surréaliste que je ne le pense. Je n’ai pas le recul nécessaire. Cette obsession que j’ai pour les cheveux, les masques… J’ai toujours cru qu’elle me limiterait. Et finalement, je me suis dit que toutes mes faiblesses seraient mes forces et que mon obsession serait ma force, comme mon hypersensibilité qui me pourrit la vie. »

La peinture plus précieuse que l’amour ? 

« Ça va ensemble. 😉 C’est pareil.
A la différence que la peinture ne dépend que de moi. On n’a pas besoin de quelqu’un pour nous rendre heureux. C’est titre au fond : après chaque histoire, il faut que je me remette à ma peinture, que je me recentre sur moi-même.

C’est aussi pour ça que j’aime voyager, rencontrer des gens. Pour changer de vie, m’oublier un peu. »

Miss Van, penses-tu devenir folle un jour ? 

« Je le suis déjà ! 🙂
Les vrais artistes – ils ne sont pas nombreux -, nous avons des névroses que nous avons la chance de pouvoir exprimer. Mais on n’est pas plus fous que d’autres. On a juste un médium pour exprimer cela. Beaucoup de gens qui cherchent un exutoire pour sortir leurs peurs…
J’aime les gens barrés, un peu cas sociaux. Ça m’attire. 🙂 »

 

Propos recueillis par Alexandre 

Miss Van

Exposition MISS VAN
rétrospective 2003-2018

du 19 mai au 16 juin 2018

à la Galerie Openspace
116, boulevard Richard Lenoir
75011 PARIS
tél. 09 80 66 6 94

du mercredi au samedi de 14h à 19h

Site officiel : missvan.com

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Robert Proch @ Galerie Openspace : notre communication virtuelle torturée

Fluo, énergique, sombre et pessimiste : voici le résumé abrupt de l’exposition Scroll Era de Robert Proch à la Galerie Openspace. Des toiles qui scrutent et tordent nos habitudes liées à la société ultramoderne et technologique. Mais aussi des compositions faites de couches de bois, en mode cellulos de film d’animation.
On a kiffé !

robert proch

Une peinture décomplexée

Ce qui détonne dans Scroll Era, ce sont les couleurs. Car, au premier abord, les grandes masses fluo laissent à penser que ces toiles sont un travail de grapheur. C’est vrai que ce choix de peinture flashy est plus l’apanage du street art.

robert proch
Mais en y regardant de plus près, Robert Proch a bien choisi l’acrylique pour cette série d’œuvres.
Un rendu fort et catchy qui colle bien au sujet : notre addiction aux réseaux sociaux qui tendent à rendre nos vie idylliques. Ou du moins l’image que l’on veut renvoyer de notre quotidien à nos « amis », nos followers, nos abonnés.

robert proch
Toutes les pièces montrent un tourbillon qui nous embarque vers les tréfonds de la toile.
Certains penseront se retrouver face à un univers proche de Blade Runner, voir Cube pour les plus négatifs.
Un futur que l’on n’aime pas mais que chacun se prépare à vivre.

Robert Proch et ses compositions

L’artiste polonais est animateur de film, à l’origine.
C’est donc naturellement qu’il a voulu s’absoudre de la toile pour créer. Sont donc nées ce qu’il nomme compositions : hors format et hors gabarit.

robert proch

Des œuvres en volume faites d’agglomération de bois peints.  Un travail tout en minutie où chaque couche rappelle les celluloïds utilisés en animation.

robert proch
Alors que dans les toiles, l’esthétique des scènes se caractérise par des carrés, dans ces compositions, les éclairs et les formes triangulaires créent les lignes de fuites, concentrent l’énergie de l’action.
Un résultat intense et captivant.

SCROLL ERA

exposition de Robert Proch

Jusqu’au 18 novembre 2017

Galerie Openspace
116, boulevard Richard Lenoir
75011 Paris

site officiel : www.prochrobert.com

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The Yokohama Project de Giada Ripa @ Magda Danysz Gallery

The Yokohama Project : une installation qui condense 150 ans d’Histoire (oui avec un grand H), géopolitique et artistique. En plein accrochage, la passion de Giada Ripa pour son travail issu d’une découverte familiale fortuite nous a alpagué, touché le cœur.

Ce vendredi, jour de présentation presse à la Magda Danysz Gallery, on était parti pour la performance de Superpoze autour de son exposition For We The Living.  Un poil en retard, on est happé par Giada Ripa, une artiste photographe avec un projet qui peut sembler hors norme.

The yokohama project

Au commencement : un trésor familial

Tout part d’une découverte inattendue dans une ancienne maison de famille du Piemont (Italie) : un lot de photos de Felice Beato. Dans les années 1860, il est le premier photographe à saisir sur papier albumine les us et coutumes d’un Japon confiné dans la tradition. Dans ce pays ultra fermé, à l’époque où les étrangers restent cantonnés dans les ports (exceptions pour les diplomates), il s’aventure à l’intérieur des terres et photographie les gens dans leur quotidien et fixe leur métier et leurs traditions.

The yokohama project

Cependant la question qui taraude Giada Ripa est comment ces photos, uniques et rares pour l’époque, se sont retrouvées en Italie.
Et c’est grâce à son aïeul Mathilde Ruinart de Brimont, femme du premier ambassadeur italien au Japon, que cet ensemble noir et blanc, rehaussé de pastels, a enrichi l’héritage de Giada.

Dès lors, l’artiste n’a qu’une seule envie : retourner sur les traces de son ancêtre en pays nippon. Cette femme, Mathilde, a brisé des tabous au pays du soleil levant. C’est une femme libre qui découvrait le pays,  pistolet à la ceinture.
Pour Giada, ce fût un travail de deux ans. Avec en tête la volonté de mettre en perceptive les clichés de Felice Beato avec le Japon actuel, sur les pas de Mathilde.

The yokohama project

Un mécénat bienvenu…

Sans le lien de parenté de son aïeul Mathilde avec la maison de champagne Ruinart, son projet n’aurait pas abouti. Parfois, le temps fait bien les choses et les liens du sang peuvent faire bouger des montagnes de refus.

C’est donc bien le mécénat de la maison champenoise qui a permis à Giada Ripa de pouvoir installer un studio photo au Japon.
En plus de se mettre en scène dans certains lieux visités par Mathilde Ruinart de Brimont, elle a pu capter la modernité de la vie japonaise.

The yokohama project

Il est fascinant de voir que certains métiers n’ont que très peu évolué depuis 150 ans mais aussi que d’autres formes de représentations sociales sont nées.
Elle a tenu à faire ses clichés avec une chambre photo, comme au 19e siècle. Cela renforce l’aura artistique du projet et donne une patte particulière au projet.

L’exposition est une juxtaposition des photos de Felice Beato, des prise de vues de Giada et des lettres de Mathilde envoyées en Italie à l’époque et retraçant son parcours sur les îles japonaises.

The yokohama project

Ce carambolage d’époques fait naitre une poésie et une magie. C’est autant l’histoire du projet de Giada Ripa que la force des images qui donnent une âme à ce travail.

Un seul regret : la galerie Magda Danysz ne peut pousser ses murs pour accueillir le travail complet de Giada Ripa sur ce Yokohama Project.

The Yokohama Project 1867 – 2017

de Giada Ripa

Jusqu’au 25 novembre 2017

Madga Danysz Gallery
78 rue Amelot , 75011 Paris

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Exposition Tony Oursler: un artiste vidéaste Américain qui dérange

Rencontrer seul les créations de l’artiste américain Tony Oursler a quelque chose d’un brin angoissant. Passé l’euphorie du vernissage, les salles sombres de la galerie JGM invitent à un drôle de recueillement.

Face à des formes assez incongrues, le visiteur rencontre tour à tour une chimère à 4 paires d’yeux et une seule bouche, une sorte de sculpture abstraite soutenue par un gode et un vermisseau croisé à un alien.

Heureusement, la figure humaine n’est pas tout à fait absente. Un homme nu tente de faire sienne une silhouette imposée.

Où se trouve la cohérence dans tout cela ?
Du côté de l’utilisation hallucinée de la vidéo. Elle se fait gargantuesque ou lilliputienne, selon l’ampleur du support sur laquelle elle est projetée.
Tony Oursler nous prouve, avec cette nouvelle série d’installations, que la vidéo contemporaine peut être intrigante, jouissive et simplement curieuse.

JGM Galerie
79, rue Temple 75003 Paris
Jusqu’au 12 mars 2011

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