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Miss Van à la Galerie Openspace : « ma peinture a toujours été dans l’émotion »

Miss Van est une artiste fascinante qui prend le temps de regarder dans le rétro de sa production artistique, à l’invitation de la Galerie Openspace.
Celle qui se dit nomade et dotée d’un monde intérieur très riche, ne donne pas de prénoms à toutes ces femmes qu’elle peint. « Elles sont des personnages à part entière et c’est que si c’était dérivé d’un même personnage, à chaque fois. C’est une évolution du personnage féminin en général. Je voudrais que les femmes puissent s’y retrouver. »
La peinture est la chose la plus précieuse pour Miss Van, raison pour laquelle, elle n’a jamais voulu devenir une marque.
Rencontre délicieuse autour de 3 œuvres exposées. 

Miss Van

Gitana VI : « une sorte de synthèse de mon travail. »

« Cette toile a 2 mois, je l’ai faite en Californie, après une expo sur les portraits de Maori.
Des peintures du XIXe siècle incroyables. J’ai été complètement submergée par le portrait classique, pyramidale, intemporel et solennel. A la fois doux et guerrier, avec le cuir, la peau, les plumes, tout ce qui donne de la force à la parure. Et je travaille là-dessus depuis longtemps.
Ça m’a redonné envie de renouer avec le portrait, avec mon propre folklore, un mélange de plein de choses, du Brésil, de Mexico.
Ça me permet d’être libre, je passe de choses très minimales, des corps nus à des choses à choses très élaborées, composées.
C’est comme un playground. Je mélange toutes les couleurs. Il y a quelque chose de très gitan.
Je n’ai pas une culture mais plusieurs. Je pourrais vivre dans plein d’endroits, parler plusieurs langues. »
Miss Van

Twinkles : « Si elle se vend, ça me fera mal au cœur. » 

« C’est la série Twinkles, sombre, romantique, réalisée en 2010, à Barcelone, dans un sous-sol sans lumière. Elle a été exposée à la galerie Magda Danysz à Paris puis transférée à Shanghai. Elle a été aussi exposée à New York au Museum of Sex pour une expo street art.
C’était une manière de sortir la lumière d’une autre façon, de partir sur une base de fond très sombre et de corps nu mais maquillé. C’est une série qui est en rupture et une prouesse aussi de travailler une gamme très sombre.
Et faire des portraits très classiques, intemporels. Elle est associée à une autre toile avec un vautour. J’ai gardé cette œuvre que je mets à la vente un peu à contrecœur.
Je garde tout, en fait. »

Miss Van
Lagrimas de Mariposas : « ma peinture a toujours été dans l’émotion »
« C’était après une rupture, pour l’exposition Lagrimas de Mariposas, en 2006. Une expo un peu triste. 
Le maquillage de clown triste c’était pour accentuer l’aspect dramatique. 🙂 
Toute la série était comme ça, travailler le dépouillement, le rien, le vide, le côté anéanti. 
Je me rappelle de tous mes ex avec ma peinture. Mes peintures sont mes repères pour les histoires. Avant qui, après qui, ce que je ressentais…
Je suis tellement sincère dans ma peinture, ce sont des témoignages réels. »

Miss Van, qui tentes-tu d’imiter ? 

« Quelle question horrible ! 😉
On a tous des influences. Mais j’ai jamais eu envie d’imiter quelqu’un. Car ma préoccupation était d’être unique et différente de ma sœur jumelle et de tout le monde.
Et qu’on me voit, pour des raisons personnelles, pas pour être connue.
J’avais besoin de me séparer de ma sœur où moment où j’ai commencé à peintre, à être différente, à me raser la tête, à me colorer les cheveux, à mettre une grande robe de princesse pour qu’on me voit la nuit. J’avais une rage et un besoin d’identité.
Petit à petit, avec les années, j’ai eu moins besoin de me justifier.
J’ai eu de la chance que mon travail soit toujours resté personnel. J’ai eu de la concurrence, ça m’a poussée. Des années difficiles à être seule, je me suis forgée une personnalité d’acier. C’est pour cela que je peins des guerrières, des amazones, des muses.

C’est un peu une idéalisation de la femme. Pour moi, c’est important qu’elle soit féminine, fragile et forte à la fois. » 

Miss Van
portrait de Miss Van par Julie Morize

Leonor Fini, un modèle ? 

« J’en ai marre que l’on m’associe au street art. J’ai fait une expo avec Leonor Fini, artiste des années 50, hyper libérale et révolutionnaire en son temps. Pas assez connue, parce que c’était une femme. Elle a toujours été célibataire, elle a vécu en trio, elle avait plein d’amants. Ses peintures étaient hyper érotiques et dérangeantes. Et je me retrouve vraiment dans son travail. 
C’est la 1ère fois que je vois mes tableaux à côté de ceux d’une autre artiste qui n’est plus de ce monde. Mais en ayant l’impression de dire les mêmes choses et d’avoir un peu la même sensibilité. Et ça m’a vachement émue. 
Et je me dis que mon travail doit être plus surréaliste que je ne le pense. Je n’ai pas le recul nécessaire. Cette obsession que j’ai pour les cheveux, les masques… J’ai toujours cru qu’elle me limiterait. Et finalement, je me suis dit que toutes mes faiblesses seraient mes forces et que mon obsession serait ma force, comme mon hypersensibilité qui me pourrit la vie. »

La peinture plus précieuse que l’amour ? 

« Ça va ensemble. 😉 C’est pareil.
A la différence que la peinture ne dépend que de moi. On n’a pas besoin de quelqu’un pour nous rendre heureux. C’est titre au fond : après chaque histoire, il faut que je me remette à ma peinture, que je me recentre sur moi-même.

C’est aussi pour ça que j’aime voyager, rencontrer des gens. Pour changer de vie, m’oublier un peu. »

Miss Van, penses-tu devenir folle un jour ? 

« Je le suis déjà ! 🙂
Les vrais artistes – ils ne sont pas nombreux -, nous avons des névroses que nous avons la chance de pouvoir exprimer. Mais on n’est pas plus fous que d’autres. On a juste un médium pour exprimer cela. Beaucoup de gens qui cherchent un exutoire pour sortir leurs peurs…
J’aime les gens barrés, un peu cas sociaux. Ça m’attire. 🙂 »

 

Propos recueillis par Alexandre 

Miss Van

Exposition MISS VAN
rétrospective 2003-2018

du 19 mai au 16 juin 2018

à la Galerie Openspace
116, boulevard Richard Lenoir
75011 PARIS
tél. 09 80 66 6 94

du mercredi au samedi de 14h à 19h

Site officiel : missvan.com

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NEKTART WINE – rencontre subtile entre vin et street-art

Naw (pour Nektart Wine) c’est tout d’abord une rencontre entre des personnes amoureuses de l’art et du vin.
Pour Guilhem de Castelbajac (Directeur Artistique), Hubert  de Castelbajac (Spécialiste du management des vins et spiritueux) et  Julien Verry (Détaché de presse), les bons vins se devaient d’avoir un habit à leur mesure reflétant leur identité propre… quoi de mieux que d’associer des artistes reconnus venant de l’art urbain est des viticulteurs de renom ?

Une façon intelligente et originale d’unifier ces œuvres d’art réalisées dans la rue et des richesses telles que le vin issues du terroir.

Nektart Wine

Nektart Wine – carte blanche aux artistes 

Quatre artistes – dont deux duos (trois français et un artiste britannique),  ont été sélectionnés pour la réalisation de ce projet innovant : le duo Lek & Sowat a été chargé d’habiller la bouteille de haut médoc 2015, Jean Charles de Castelbajac , la bouteille de bordeaux supérieur 2015,  le duo THTF la bouteille de rosé cote de Provence 2016 et Nick Walker la bouteille de Carbardès 2015.

Le cahier des charges est simple : à partir du format de l’image et de l’intégration du logo Nektart Wine dans cette dernière, les artistes doivent réaliser  leur œuvre associée au vin qui leur a été confié.

Pari réussi : les quatre vins sont donc parés d’une jolie étiquette qui reflète l’esprit du domaine dont ils sont issus. De cet ensemble se dégage une agréable sensation de modernité, de fraicheur et d’inventivité.

Les informations concernant l’artiste et le vin sont indiquées à l’arrière de la bouteille. Passionnés d’art et amateurs de bons vins pourront ainsi en savoir plus sur leur passion respective.

L’ambition de NAW est d’étendre, très prochainement, ce concept à d’autres artistes.

Nektart Wine
Guilhem de Castelbajac

Nektart Wine

Une collaboration intelligente 

Les artistes ont collaboré gracieusement à ce projet et recevront en contrepartie un pourcentage sur les recettes. Les bouteilles, quant à elles, seront également proposées à la vente dans les galeries des artistes.

Les prix sont abordables : de 11,50 pour le  bordeaux supérieur jusqu’à 18,90 pour le rosé.

Raisonnable, je n’ai goûté que deux vins : le bordeaux supérieur 2015, un vin léger, au goût de plusieurs fruits noirs mélangés et le côte de Provence, à ma grande surprise mon préféré des deux (je ne suis pas très rosé), un vin délicat, floral, très agréable en bouche.

L’occasion, pour Noël, de se laisser tenter par l’acquisition d’une œuvre d’art consommable !

by Caroline 

Nektart Wine


Les vins Nektart Wine : 

Patrick Hospital & Jean-Charles de Castelbajac – Cuvée Bordeaux Supérieur 2015
Famille Sumeire & T.H.T.F. – Cuvée AOP Côtes de Provence 2016
Miren de Lorgeril & Lek & Sowat – Cuvée AOC Cabardès 2015
Jean Riffaud & Nick Walker – Cuvée AOC Haut Médoc 2015

Disponible dès maintenant sur le réseau du Repaire de Bacchus
dans l’ensemble des boutiques & sur Internet :
www.lerepairedebacchus.com


Site officiel : nektartwine.com

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Libérez vos émotions avec Lefranc Bourgeois & JonOne !

Avec près de 300 ans passés à stimuler l’histoire de l’Art, la maison Lefranc Bourgeois se réinvente pour répondre plus que jamais aux besoins des passionnés de peinture. Ainsi, la marque dévoile une nouvelle identité, un packaging restylisé et une texture huile extra-fine retravaillée avec une palette de couleurs élargie. Nous avons eu le plaisir d’assister à la soirée de présentation #Libérezvosémotions aux Beaux-Arts de Paris.
Nos impressions. 

Avant tout, quelle chance de pénétrer dans ce lieu chargé d’histoire ! Au détour de couloirs, nous croisons des étudiants un peu surpris de nous voir ici. C’est avec une délectation totale que nous nous infiltrons dans leur univers secret et hermétique.

Lefranc Bourgeois

Une prestation remarquée

Afin de vanter les mérites d’une peinture entièrement repensée dans la matière et l’intensité des couleurs, quoi de mieux qu’une prestation en live ?

Place au street artist JonOne. Il se lance dans une performance sur les sons survoltés de Christine and The Queens. Nous retrouvons bien sa marque de fabrique en cohérence totale avec le thème de la soirée. En effet, tout l’espace de la toile est utilisé dans un assemblage harmonieux où les couleurs explosent. Le geste est libre tout en étant précis, dégageant une énergie emprunte de liberté. Le résultat est lumineux et éclatant !

Lefranc BourgeoisLefranc Bourgeois

Un atelier pratique

Peintres en dilettante, c’est avec hâte que nous voulions tester la nouvelle huile extra-fine ! La première impression est positive. La texture est plus agréable à utiliser. Elle est ferme, homogène et non-huileuse pour un travail tout en souplesse. Enfin, le petit plus que nous n’avions pas remarqué est l’absence de cadmium. La force et la puissance du pigment sont préservées avec un impact écologique et toxique moindre. D’ailleurs, mon écharpe en témoigne, le bleu de cobalt est intense ! 🙂

Aussi, nous avons pu contribuer au tableau participatif ! Bien loin du talent des artistes exposés, nous nous sommes pris au jeu en faisant de belles rencontres. En partant, nous avons contemplé le résultat en patchwork. Finalement, derrière chaque petit carré se trouve un peintre qui a fait corps avec la matière jusqu’à vivre le moment où ses émotions se sont libérées sur la toile.

C’était notre première exposition et nous étions plutôt fiers !

Lefranc Bourgeois

by Jean-Philippe

site officiel : www.lefrancbourgeois.com

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Beautiful Decay par Eric Lacan @ Galerie Openspace #sublime

Eric Lacan alias Monsieur Qui est un artiste plutôt rare en galerie. Il déserte le terrain de jeu qui l’a fait connaître (la rue) pour passer plus de temps possible à réaliser ses toiles en atelier. 
Il dévoile à la Galerie Openspace une collection de toiles qui fascinent, un cabinet de curiosités in situ avec objets chinés et dessins originaux et un mur monumental en papier peint en duo avec un sol de feuilles mortes.
Beautiful Decay est une exposition aussi renversante, sublime que crépusculaire.

Beautiful Decay

Beautiful Decay

Au total, 40 oeuvres sont dévoilées dans les larges espaces de la galerie sur différents médiums : faux cranes, toiles, assemblages de papiers peints coupés à la main.
On peut retrouver les thèmes chers à l’artiste comme : rat, crâne, femme, robe, notamment dans cette toile immense qui accueille les visiteurs et qui a nécessité quasiment une année de travail.

Samantha et Nicolas, les deux propriétaires d’Openspace, ont laissé les clés à l’artiste qui a travaillé pendant 10 jours intensifs. Il avoue avoir perdu la notion de temps en concevant son cabinet de curiosités influence 19e siècle avec tapisserie originale. La toile déborde du cadre et devient réalité à travers tous ces objets.

Beautiful decay

Beautiful Decay

« L’atelier : aller loin dans toutes mes envies« 

Rencontré la veille du vernissage, Eric Lacan confie qu’il souhaitait évoluer techniquement, concevoir des portraits plus complexes, avoir le temps de l’apprentissage. L’atelier lui permet de « résoudre ce qui est difficile techniquement. »
Il a ainsi intégré de la couleur, travaillé avec le jaune pour des effets de lumière, conçu une technique de papiers peints très particulière après moult essais. Il s’est aussi amusé à rajouter des motifs floraux dans certaines toiles ou des adorables poissons.

Ses toiles, il arrive tout à fait à s’en séparer. « Je ne vois pas l’objet, mais tout le process, la musique écoutée… » « Quand l’action est finie, le résultat m’importe peu. »
Eric avoue qu’il a du mal à regarder sa peinture. Il voit les défauts, les regrets, « tant mieux, l’oeil s’est aiguisé ! »

La BO de l’expo

Et c’est le grand écart dans la playlist d’Eric Lacan : Frehel, Sanseverino, The Cure, Joy Division, les musiques de vieux films composés par Vladimir Cosma, François de Roubaix et Ennio Morricone.
Il s’est fait la BO complète des Dents de la Mer, des Indiana Jones. L’artiste a un sérieux attachement pour les compositions de John Williams.
« Je me fais le film en écoutant. Quand je peins, je m’imagine au centre de l’action. Quelque chose pourrait surgir dans mon dos. »

Beautiful Decay

Exposition Beautiful Decay
par Eric Lacan
solo show

jusqu’au 7 octobre 2017

à la Galerie Openspace
116 boulevard Richard Lenoir
75011 PARIS

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Visages Villages : JR et Varda terriblement attachants et fantaisistes !

Le cinéma peut faire du bien, faire grimper sur nuage en haut duquel on observerait le monde. La preuve avec Visages Villages, un film de deux artistes séparés (en âge) de seulement 55 années. JR, la super star du collage photographique prend comme coéquipière de son van photomaton la réalisatrice-doyenne espiègle du cinéma français Agnès Varda. Ils se mettent en scène à travers les rencontres qu’ils font (ou pas) à travers la France. 

Visages Villages

Visages Villages : double regard

JR et Agnès Varda ont en commun d’aimer la rencontre avec des inconnus, de les photographier, filmer, tout en les faisant parler d’eux.

A priori, rien ne devait les faire tourner ensemble mais la fille de la réalisatrice a joué l’entremetteuse. D’un premier rendez-vous Rue Daguerre, un second est très vite fixé à l’atelier de JR qui commence à filmer. Varda veut sortir de la ville. C’est le début d’un road trip débridé, les deux acolytes ne se sépareront plus.
L’aventure s’est terminée, il y a seulement quelques semaines.

C’est la tendresse du regard, de l’attention portée à ces anonymes qui touche, bouleverse, surprend. Impossible d’oublier cette femme émue de se voir en portrait géant sur la façade de sa maison, cette mise en scène belle à souhait des pieds et des mains photographiés de Varda par JR.

Visages Villages Visages Villages

« On n’est pas 4 garçons dans le vent. Mais 2 personnes dans le calme ! «  Agnès Varda (en référence à l’affiche du film)

Il faut les voir en vrai tous les deux, se titiller, s’envoyer des pics gentiment. Agnès Varda aurait-elle trouvé une source de jouvence avec JR à ces côtés ? Elle est obligée d’avoir de la répartie, d’être concentrée. Ça fuse à toute occasion, sur tous les sujets.
Lors de la Cinexperience réunissant les deux artistes, JR confie « je n’ai jamais autant donné avec ce film« .  Et Agnès Varda de poursuivre : « Être un artiste est un paradoxe. On veut mettre en valeur les gens mais on est narcissique. On fait des films pour qu’ils soient aimés. »
Le but de ce film, de cette intrusion dans la vie de ces anonymes était « de réveiller chez eux leur propre imagination, leur propre désir artistique. »

-M- a été embarqué dans l’aventure par les deux complices. C’est un nouveau visage du génial compositeur-musicien que l’on découvre avec des musiques inédites. Et c’est Varda qui en parle le mieux : « Matthieu Chedid est assez fringant et baroque. Et avec ce film, il est plus tendre et mélancolique. »

Visages Villages est un film drôle, hors des sentiers du cinéma français qui se regarde le nombril. Fragile aussi parce que fait dans l’urgence avec peu de moyens, avec l’aide de « kisskissbankers » qui ont cru (et ils ont eu raison) à ce duo burlesque inédit et désopilant.

Visages Villages est un petit bonheur à voir sur un grand écran pour ne rien manquer de la force de cette aventure humaine.

Visages, Villages
un film d’Agnès Varda et JR
musique : Matthieu Chedid dit -M-

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Ludo expose à la Magda Danysz Gallery : il nous avait manqué !

Après 5 ans de tour du monde, de projets fous, l’artiste revient enfin à Paris avec l’exposition I’ve been missing you à la Magda Danysz Gallery à partir du 17 juin. Un événement !
Le travail de Ludo aka Ludovic Vernhet s’est enrichi de ses expérimentations (peinture phosphorescente, broderie, nouveaux types fonds pour ses toiles) de ses rencontres, délaissant toujours autant l’ordinateur et s’inspirant des techniques des artistes qu’il aime. 

Ludo

Ses collages géants sont célèbres, ils assurent à celles et ceux qui les partagent sur les réseaux sociaux, un nombre de likes tout à fait stimulant ! Ces images ont la particularité d’avoir toujours un élément « surligné de vert », « pas forcément l’élément le plus important du visuel ». Un vert conçu par l’artiste, en référence au bleu d’Yves Klein. Chaque image est un message, une critique, une référence comme ce serpent vu récemment dans un passage du 11e qui a un lien direct avec la Bible. A nous de trouver la clé de lecture à chaque nouvelle rencontre visuelle.

Son style a séduit la Chine, NYC, Radiohead qui l’a invité à performer lors d’un de ses concerts à Berlin et même David Gilmour (du groupe Pink Floyd) lors d’une rencontre à Chantilly – le résultat sera à découvrir en septembre.

Ludo

A la Magda Danysz Gallery, trois niveaux présentent les multiples talents de Ludo : dessinateur,-peintre avec des toiles faites de mine, fusain, peinture à l’huile et aérosol, photographe avec ses tirages d’installations spectaculaires dont ce navire dans les Caraïbes, de concepteur-sculpteur avec deux belles pièces dont cette rose célèbre qui aura demandé 6 mois de conception. Un musée allemand chercherait à exposer un modèle beaucoup plus grand.

Au sous-sol, l’artiste a conçu une installation avec une armée de lucioles phosphorescentes, plongées dans le noir. L’idée lui est venue de Chine où certains villages ne sont pas éclairés de nuit. Il en a conçu un collage phosphorescent représentant une luciole.
Ces « firefly » en vente individuellement sont au nombre de 100  et ont été réalisées avec une imprimante 3D et peinte à la main par Ludo lui-même. Il ne délègue pas les petites tâches à un assistant. Il assure aussi ses collages dans la rue, seul, sur les coups de 5h-6h du mat.

LudoIl parle facilement de ses influences : « je suis fan de Basquiat, bien qu’il soit à l’opposé de tout ce que j’aime. Je peux mettre 3-4 mois pour une toile. Il est l’anti-thèse de tout ce que je fais. » Keith Haring, H.G Giger complètent le générique, aux côtés de Murakami dont il s’est inspiré pour la réalisation de ses sculptures. Des petites prouesses passant par l’étape de prototype, scan, rescan et retravail à la main.

Le Ludo tour va se poursuivre par une série d’expositions en Chine, Berlin, Amsterdam pour un projet fou. The Garage va accueillir un pop-tatouage proposant une série de visuels à se faire tatouer. « Via Instagram qui est le seul réseau que j’utilise, je reçois pas mal de photos de personnes qui se sont fait tatouer une de mes œuvres. J’aime l’idée que l’on ne puisse pas acquérir une œuvre mais qu’on ne puisse pas s’en séparer, une fois tatouée. »

Ludo

LUDO aka Ludovic VERNHET
exposition I’ve been missing you

du 17 juin au 29 juillet 2017

à la Magda Danysz Gallery
78, rue Amelot
75011 PARIS 

LudoLudo

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L’Atlas envahit la Maison Guerlain #streetart

Grosse affluence à La Maison Guerlain pour le vernissage de l’exposition Imperial Letters, une collaboration inédite avec L’Atlas, l’artiste calligraphe qui parcourt le monde.

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Jusqu’au 26 février, les 3 niveaux de la boutique des Champs-Élysées accueille les jeux géométriques avec la complicité de la galeriste Magda Danysz, commissaire d’exposition, sous forme de toiles et de ruban adhésif collé à même le sol. 

En franchissant la porte du 68 vous aurez la preuve que le street-art ou urban art se marie aussi bien à un intérieur design qu’à un salon rétro. Les toiles sont aussi spectaculaires quand on leur fait face que discrètes, elles ne cherchent pas à s’imposer non plus dans une pièce. 

L’un des clous de l’exposition est certainement la réinterprétation de la célèbre abeille royale de Guerlain, sur le trait de L’Atlas. Cette toile faite de laque et aérosol est entrée dans la collection de la célèbre institution de parfum.

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Le sourire et la gentillesse de Jules n’ont pas manqué de charmer toutes les tranches d’âge au cours de la dédicace improvisée derrière un comptoir. 

À ne pas manquer, les flacons de parfum revisités par un autre artiste phare de la scène urban art : Jon One, et son carré de soie.
L’Américain a d’ailleurs accueilli le Frenchy eu sein de son collectif : 156 All Starz.

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Exposition Imperial Letters by L’Atlas

du jeudi 12 janvier au dimanche 26 février 2017

MAISON GUERLAIN
68, avenue des Champs-Elysées
75008 PARIS

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OtterBox au Pavillon des Canaux : Graff sur coques avec Paris Sketch Culture

L’appel du street-art est toujours plus fort que tout pour la team !
OtterBox crée l’événement les 24 et 25 septembre avec Raphäel Federici alias Paris Sketch Culture au Pavillon des Canaux et une performance immanquable.
L’été n’est définitivement pas terminé !

Protège ton phone !
OtterBox, c’est le créateur américain numéro 1 de coques résistantes et pratiques pour smartphones.
Le concept est simple : Stylish Protection for Mobile Devices.
Un allié de choix quand on connaît la terrible fragilité de nos équipements mobiles.
Il suffit de passer le test et on a vite compris l’utilité des bords renforcés de la coque pour éviter la casse de l’écran.
Et clairement, la prise en main(s) de notre iPhone6 est beaucoup plus agréable avec ces rebords offrant un vrai maintien en mode rédaction de mess ou de notes.
La transparence à l’arrière de la coque Symmetry Serie Clear nous permet en plus de retrouver contact avec le design de notre phone.

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Graff sur coques / Save the date
La marque à la loutre (otter en anglais) fête la sortie de l’IPhone 7, en même temps que son arrivée en France, avec un rendez-vous spectaculaire, inattendu et interactif.
Retiens tout de suite les 24 et 25 septembre.
L’artiste Paris Sketch Culture – qui a envahi Paris avec ses marins – va créer une fresque inédite sur un mur de coques. Oui oui.
A la fin de la performance qui durera 2 jours, les coques seront offertes au public. Classe : puisqu’elles seront toutes uniques !

Mais c’est pas fini !
Louis Lanne, un autre artiste – étudiant et soutenu par Raphaël Federici – va concevoir une deuxième fresque. L’occasion de voir une graine de talent en pleine action.
Mzelle Fraise et la blogueuse Margot de YouMakeFashion (180k abonnés sur insta) assureront des ateliers DIY dessin, illustration, mode et tendance.

otterbox-pavillon-de-canaux-street-art-evenement-graff-coques-paris-sketch-culture-blog-usofparisLe Pavillon des Canaux reste le spot idéal pour apprécier les derniers jours de l’été face au canal avec ses potos.
Nous on y sera les 2 jours, tu viens ?

#Bonplan
Sachant qu’on aura une coque à offrir sur place, suffit de nous faire un coucou via notre compte Twitter @Usofparis avec le #SymmestryStreet en nous disant quand tu as prévu de passer. Si ça correspond à un créneau horaire où nous sommes présents c’est gagné !

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SymmetrySteeet par OtterBox

Au Pavillon des Canaux
39, quai de la Loire
75019 Paris

Les samedi 24 et dimanche 25 septembre 2016

Avec Paris Sketch Culture, Louis Lanne, Mzelle Fraise et YouMakeFashion

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Zevs : jubilatoire expo Noir Éclair au Château de Vincennes

Au premier abord, difficile de créer un pont entre le Château de Vincennes et le street art. C’est le pari qu’a relevé le sulfureux Zevs (prononcé Zeus) !
Street-artist – le terme peut paraître un peu péjoratif – déploie ici son talent aux multiples facettes à travers l’exposition
 Noir Éclair.
Graf, peinture, bronze, installation, vidéo… tout passe entre ses mains. Une expo tellement riche et créative qu’il est difficile de la synthétiser en quelques oeuvres.

Graffiti Light (Néon et peinture grattée)
Graffiti Light (Néon et peinture grattée)

Zevs : tout feu, tout flamme

Parmi les 24 créations présentent sur le site du Château de Vincennes, tout commence par les extérieurs.
On commence par Les Cibles – trois tourets de bobines de câblages installés dans la cour – évoquant l’homme de Vitruve de De Vinci ou encore les flammes de Proper Graffiti / Flaming taguées – ou plutôt grattées – dans les mousses recouvrant les murs des douves du bâtiment principal. Zevs impose tout de suite sa patte. Ces grafs organiques géants, (graffiti propres dont il est le précurseur) sont là pour mimer les flammes dévorant les tours du donjon principal. Une esthétique très brute.

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L’autre touche exotique se trouve dans le dispositif lumineux mis en place tout autour du chemin de ronde du bâtiment principal : In girum… (imnus nocte et consuminir igni). Visible de nuit, il doit rappeler à chacun(e) que le lieu est investi d’une présence inhabituelle.

Zevs et Vincennes : l’osmose historique

Pour celui qui n’a jamais mis un pied au Château de Vincennes, cette exposition lui permettra de s’approprier les lieux d’une manière totalement unique.
Loin d’être un simple agrégat d’oeuvres contemporaines, Noir Éclair offre un vrai mix entre l’histoire du lieu et une mise en perspective artistique.

Avec Machination, Zevs confronte plusieurs degrés d’appropriation. Ce distributeur, issu du monde moderne, est couplé à la dimension historique de la Terreur révolutionnaire.

noir-eclair-zevs-chateau-de-vincennces-expo-avis-critique-creation-performance-cmn-rmn-photo-by-blog-united-states-of-paris-jpgEn effet, sur les assiettes, des personnages illustres condamnés à mort par l’échafaud : Louis XVI, Danton, Robespierre, Mari-Antoinette…
Un minuteur permet au visiteur de connaître le moment précis de la prochaine exécution. Il deviendra alors le spectateur passif, impuissant mais consentant de cette peine capitale moderne.

On retrouve aussi cette envie de confronter l’Histoire avec l’Autoportrait de Louis XIV.
Ce moulage en bronze, copie de celui  du Bernin exposé à Versailles, a été fondu à partir du moule original fourni par la Réunion des Musées Nationaux. L’artiste l’a ensuite emmené au four solaire d’Odeillo-Font Romeu afin d’être « scarifié » par les rayons du soleil.

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Cette oeuvre fait écho aux premiers travaux de Zevs qui parasitait les logos de marques comme McDonald’s ou Ferrari. L’idée étant ici de dégrader le Roi Soleil uniquement avec la puissance de l’astre « Soleil ».

Autre espace, autre gageure : Invisible Graffiti.
Ou comment rendre visible les traces du passé.
Le Château de Vincennes a été, durant de nombreuses années, une prison. Les détenus ont témoigné de leur passage via des textes ou des dessins gravés dans la roche.

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Grâce à une encre spéciale et une lumière noire, Zevs fait ressortir un des graffitis gravé par un prisonnier.
Et le message choisit résonne de façon toute particulière quand on sait que le Roi Louis XIV venait dans cette ancienne cellule de détenu pour observer le ciel avec sa longue vue.

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Zevs : les gènes de l’artiste

Appuyée sur un mur et seule dans la pièce, Ma musée est une oeuvre sonore particulière.
En 1998, à 20 ans, l’artiste a interviewé de façon anonyme et par téléphone des galeristes parisiens en leur demandant de répondre à une simple question : « Comment deviens-ton artiste ? »

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Zevs nous offre ici l’occasion d’entendre ces conversations dans une performance inédite. Les réponses sont parfois froides, bienveillantes mais aussi agacées.

LDV : Léonard De Vinci

Le génie italien est une référence ultime pour Zevs.
Ce dernier s’en inspire à de nombreuses reprises comme avec La Cène, détournée en repas à la Maison Blanche avec Obama et des chefs d’entreprise de la Silicon Valley dans Repas. Même le cadre en or blanc recèle des clins d’oeil logotypés de ces sociétés internationales.

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Il s’approprie aussi La Joconde dans Mona Lisa and Handbag en l’enfermant dans une cabine, style peep-show en référence à sa possible petite vertu. Le visiteur doit attendre son tour, que la lumière rouge indiquant l’occupation des lieux passe au vert, pour accéder à l’oeuvre.

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Le sigle LDV sur le sac renvoie à une marque inventée par Zevs en 2005 (LDV pour Léonard De Vinci)

Et c’est dans la dernière salle de l’exposition que vous pourrez découvrir des créations fabriquées spécialement pour cette exposition. Des pièces de maroquinerie réalisées par un artisan New-yorkais, toutes estampillées LDV.

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Contrairement à ce que l’on pourrait penser, avec cette marque créée en 2005, ce n’est pas l’industrie du luxe qui est montrée du doigt ici, mais le commerce de la copie. Dans une salle, en recoin, vous découvrirez Alibaba : une installation de 100 sacs « Made in China ».

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On ne pensait plus qu’un artiste français pouvait avoir un tel esprit d’éclectisme. Noir Éclair est vraiment une installation jubilatoire. Et les autres créations sont toutes aussi intéressantes, intrigantes voire même participatives.

Lors de votre visite, n’hésitez pas à vous arrêter sur les cartouches explicatives des oeuvres, vous n’en prendrez que plus de plaisir.

 

Noir Éclair de Zevs

Du 6 septembre 2016 au 29 janvier 2017
Jusqu’au 21 septembre : ouvert tous les jours de 10h à 18h
Du 22 septembre au 29 janvier: ouvert tous les jours de 10h à 17h

Fermé les 1er novembre, 11 novembre, 25 décembre et 1er janvier.

CHÂTEAU DE VINCENNES
1 avenue de Paris
94300 Vincennes

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Nairone, Phillips & McCoy : trio street-art pour Eristoff Wolf Pack Édition

Nombreuses sont les marques qui usent de la valeur street art pour changer leur image. Forcément, on est toujours un peu dubitatif quand on nous présente une nouvelle opé.
Mais une interview peut révéler que, même s’il y a une volonté commerciale derrière une opération marketing, elle peut être aussi, et surtout, à l’origine d’une vraie rencontre artistique.
La relation entre Eristoff et l’artiste Nairone en est l’exemple.

Debrief  de cette collaboration inédite entre Jim Phillips, Travie McCoy, Nairone, Thibault, chef de produit Eristoff, et John de l’agence HK Corp, lors de la soirée de lancement de l’Eristoff Wolf Pack Édition au Ground Control à Paris.

Eristoff street art Wolf Pack édition limitée 2015 Ground control Nairone Jim Phillips Travie McCoy design Photo by United States of Paris

Nairone et Eristoff : un coup de coeur artistique

Lors de la soirée de lancement limitée 2014, il y a un an, Thibault, chef de produit pour Eristoff, rencontre Nairone : un graffeur de 24 ans (à l’époque) venu réaliser une performance.
Nairone c’est un graffeur du nord de la France, installé depuis quelques années à Paris.
Son style et son univers séduisent Thibault qui décide de le faire collaborer à la prochaine campagne de la marque avec la réalisation du design de l’édition limitée 2015.
« Il fallait qu’on capitalise sur cette rencontre et que l’on fasse quelque chose de plus fort pour se démarquer du mouvement street art dans lequel se sont engouffrées les autres marques. On a voulu mettre en avant un jeune talent émergeant, Nairone » nous confie Thibault. « Il a une  patte extraordinaire avec laquelle on a tout de suite accrochée. En lui permettant de collaborer avec les plus grands noms du monde du graf, on souhaitait donner un vrai coup de pouce à sa carrière, le faire grandir et évoluer. »

Eristoff street art Wolf Pack édition limitée 2015 Nairone style art design Photo by United States of Paris
« Je ne sais pas définir mon style. Je fais juste ce que j’aime faire et je ne sais pas pourquoi je le fais. Je m’inspire juste de ma vie et du pop art. J’utilise la technique de Roy Lichtenstein : je fais mes images à plat, je reprends des images de BD que j’agrandis et que je projette sur la toile ou sur le mur. A partir de là, je le fais à ma sauce » nous précise l’artiste.

Mais pour un graffeur, n’est-ce pas vendre son art que de collaborer avec une marque ? Nairone assume : « Les gens qui font du graffiti passent leur temps à en faire mais pas à en vivre. Je vis de ma passion mais avant je suis passé par le vandale, par la police. Je profite de rencontres incroyables que je n’aurais jamais faites, seul, comme avec Phillips et McCoy. »

Eristoff Jim Phillips Nairone Travie McCoy street art Wolf Pack édition limitée 2015 art work design Photo by United States of Paris

Une volonté de pérenniser la valeur street art

Suite à l ‘édition 2014 qui a vu collaborer le chanteur Oxmo Puccino et Mambo, street artist installé à Los Angeles, avec la marque de vodka, l’agence HK Corp a souhaité, cette fois, « investir sur le long terme« , nous explique John, « avec un artiste qui a un style qui correspond à l’image de la marque, qui a envie de s’en imprégner et de la retranscrire de manière très naturelle. »

Donc l’édition limitée 2015 Wolf Pack d’Eristoff c’est la rencontre de trois styles : Nairone, pour la partie France/Europe, Travie McCoy, le New-yorkais et Jim Phillips, le Californien. Mais « la combinaison des trois n’a pas forcement été évidente » dixit Thibault.

C’est aussi quatre mois de collaboration entre les artistes qui a commencé par mails avant leur rencontre. Un jour, Nairone a reçu le tout premier croquis de Jim Phillips.

Eristoff street art Wolf Pack édition limitée 2015 Jim Phillips artwork dessin prototype Nairone Travie McCoy design Photo by United States of Paris
Premier croquis de Jim Phillips pour Eristoff Wolf Pack

Les loups de cette première esquisse n’ont que très peu évolués par rapport à la version finale.
« C’est quand on s’est vu qu’on a mixé nos croquis. McCoy et moi, on a décidé de laisser la face de la bouteille à Phillips », ajoute Nairone. « Travie a pris l’arrière et moi j’ai créé l’univers liant entre leurs deux visuels » et John de l’agence HK Corp de préciser : « Nairone a apporté le côté fusionnel entre les 3 artistes, créé l’association entre les 3 profils ».

Eristoff street art Wolf Pack édition limitée 2015 Jim Phillips collaboration artwork Nairone Travie McCoy design histoire Photo by United States of Paris
Une aventure artistique et humaine

Après de multiples échanges par mails, les trois artistes et l’équipe de com se sont retrouvés sur la côte ouest des USA, pour finaliser l’édition. Ils se sont tous immergés dans l’univers de Jim Phillips :
« Nous avons eu la chance de pénétrer la vie de Jim avec sa femme et ses enfants à Santa Cruz » confesse Thibault. « On est loin du marketing pur : j’ai pu participer de façon très concrète à la création autour d’une marque qui s’est faite de manière très naturelle. Un échange humain entre trois profils artistiques qui ne se connaissaient pas à l’origine et qui ont vécu une expérience commune pendant 10 jours. »

Pour Nairone, c’est l’occasion d’apprendre de ses aînés. « Travie m’a donné envie d’aller plus loin, de réussir, d’être ambitieux mais sans oublier la passion avant tout. Avec Jim, j’ai découvert l’envie de produire. Quand on est arrivé chez lui, son garage était un musée. Il y a 40 ou 50 ans de sa production, tout y est exposé. »

Eristoff street art Wolf Pack édition limitée 2015 Jim Phillips atelier art Photo by United States of Paris
Pour Thibault, il y a chez Phillips « une forme de maturité, on l’écoute. C’est un personnage passionnant. C’était fabuleux comme rencontre. »

Et au détour d’une petite frustration, Nairone a peut-être pu nouer une relation artistique plus profonde avec Jim. « Il nous emmenait que dans des restaurants de poisson. Et comme j’aime pas ça, je prenais que des menus enfants. Alors un jour, j’ai dessiné un skate en forme de hot dog et Jim m’a dit : Faut qu’on garde contact,  on va faire quelque chose de ça. »

Eristoff street art Wolf Pack édition limitée 2015 Nairone Jim Phillips Travie McCoy concept artwork design Photo by United States of Paris
« Tous les trois, on a partagé sur tout : le personnel et le professionnel. J’en ai pris plein la tête pendant 10 jours, fallait être là pour le vivre. La séparation à la fin du projet a été très dure » nous dit John. Quelques larmes ont coulé sur les joues de l’attachant Nairone qui ne cache pas l’émotion qu’il a ressentie à ce moment.

Eristoff : des contraintes techniques pour les artistes

Cette bouteille emblématique de la marque possède quelques particularités contraignantes pour les artistes.
« J’ai eu du mal à m’approprier le support. On a tous les trois fait des croquis séparément, puis on les a mixés pour la bouteille test. Et c’est là que l’on s’est rendu compte que ça n’allait pas avec la forme car les bourrelets du bas déformaient le dessin. »
Mais une visite de Nairone dans l’usine qui imprime les étiquettes a permis de déjouer ces contraintes : « j‘ai pu poser des questions et on a pu résoudre les problèmes. »

Eristoff street art Wolf Pack édition limitée 2015 Nairone Jim Phillips Travie McCoy tambour imprimerie design Photo by United States of Paris
Tambour d’impression de l’étiquette Wolf Pack Edition 2015

Rendre compte de cette collaboration hors norme

Image de prévisualisation YouTube

« C’est une collaboration artistique qui s’est super bien passée, même si elle n’était pas évidente. » Pour Thibault le chef de produit Eristoff, il y a eu une vraie volonté de rendre compte de cette coopération artistique à travers diverses vidéos mais comme le confirme John de HK Corp : « c’est difficile de transmettre les émotions dans les films d’une marque, c’est hyper délicat d’y faire adhérer le public, de ne pas penser que c’est du faux« .
« Ce qu’on voit c’est ce qui c’est réellement passé. » conclut Thibault.

Image de prévisualisation YouTube

Et l’équipe créa de HK Corp, sur un coup de tête et une idée improvisée, a voulu raconter l’histoire de cette aventure via l’intérieur de la bouteille dans un film 360°.
Il leur a donc fallu trouver des solutions techniques pour ne pas avoir de déformations causées par le verre de la bouteille mais aussi pour y intégrer le dispositif de tournage.
L’équipe a donc customisé une caméra, qui est du coup unique, avec un rendu plutôt intéressant. Elle a pris place dans une bouteille originale en plexiglas et non en verre.

Eristoff street art Wolf Pack édition limitée 2015 360 film histoire Jim Phillips Travie McCoy Nairone design Photo by United States of Paris

Le futur entre Nairone et Eristoff

Apparemment, le jeune artiste street art a forgé une belle relation avec la marque de spiritueux. A telle point que celle-ci voit plus loin dans leur partenariat : « la collaboration avec Nairone ne s’arrête pas à cette année. Les premiers retours sont positifs. C’est une histoire qui commence.  On souhaite faire des performances avec lui, travailler sur des projets d’édition limitées, sur des projets d’autres marques. »
Nairone adhère à cette entente réciproque : « Je sais ce qu’il faut faire ou pas, mais j’ai vraiment l’impression de dessiner pour moi, c’est ça qui est cool ! »

Quand on lui parle de sa relation à Instagram et de sa volonté de cacher son visage, il affirme : « Oui, je joue avec l’anonymat. Je ne sais pas pourquoi. Ça me fait juste rire, je crois. Mais comme on me suit c’est aussi pour montrer que ce que je fais est plus important que qui je suis. »

Eristoff street art Wolf Pack édition limitée 2015 Nairone Jim Phillips Travie McCoy art design Photo by United States of Paris

L’abus d’alcool est dangereux pour la santé, à consommer avec modération.

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