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Critique théâtre – JUPE OBLIGATOIRE : comédie libertine et féminine au Petit Gymnase Paris

JUPE OBLIGATOIRE au Théâtre du Petit Gymnase jusqu’au 26 avril !

4 personnages en scène : une jeune femme nommée France de Castelbouc, franchement BCBG. Une bimbo bécasse et un producteur infernal, sans oublier un gourou douteux qui abuse de la crédulité de ses “adeptes”. Les acteurs de cette pièce de théâtre de Dominique Coubes et Nathalie Vierne ont en commun une chose : le talent.

L’intrigue est quelque peu attendue. Un producteur demande à son ex-femme d’écrire son prochain film qui a pour thème “les clubs échangistes”. Pour couronner le tout, il lui colle dans les pattes, Sharon sa nouvelle poule, habituée du monde libertin. On ne voit pas très bien comment la chaste France et la dévergondée Sharon vont pouvoir réussir à accorder leur violon et arriver à collaborer. La fin est franchement convenue. Le pauvre producteur va se retrouver pris à son propre jeu et le duo va s’avérer très fertile car… la bimbo n’est pas si cloche et la bourgeoise pas si coincée. On s’en doutait.

Toutefois, Jupe obligatoire est une comédie un tantinet coquine qui ne mâche pas ses mots. Un boulevard plutôt destiné à un public féminin. En filigrane les auteurs abordent des thèmes sociaux très actuels : l’homosexualité féminine, la sexualité et les classes sociales ou encore le mariage pour tous. C’est très distrayant et le public s’amuse franchement. Il faut dire que quelques répliques assez savoureuses émaillent le texte. France, demande timidement à Sharon “Outre votre rôle de péripatéticienne, vous avez d’autres projets professionnels avec Bernard ?”.

Le décor qui figure l’intérieur bourgeois tristounet de France est très réussi. On trouve quelques ingéniosités dans la mise en scène, notamment des scènes muettes avec les actrices dans un halo de lumière qui évoquent les comédies sentimentales américaines.
Cette pièce est assez jubilatoire car une véritable alchimie anime cette petite troupe. Thierry Samitier qui joue actuellement dans Nos chers voisins, sur TF1 a véritablement la fibre de l’humour et trouve souvent le geste psychologique !

Olga Sekulic et Lilou Fogli sont deux actrices remarquables. Elles arrivent à nous amuser en parlant de libertinage sans (trop) de vulgarité. Elles s’inscrivent dans la veine de ces femmes qui ont une bonne dose d’humour et font bouger les lignes, Camille Chamoux, Nora Hamzawi. Du dynamisme à revendre. Et sans être militante, cette pièce donne aux femmes la place qu’elles méritent! N’y a-t-il pas que des hommes machos  – et des femmes rétrogrades- pour dire que les femmes entre elles se tirent dans les pattes ?

Laissez vous tenter par l’affiche suggestive et nos conseils.Vous ne vous ennuierez pas du tout !

JUPE OBLIGATOIRE
pièce de Dominique Coubes et Nathalie Vierne
mise en scène : Nathalie Vierne
avec Olga Sekulic, Lilou Fogli, Thierry Samitier et Ludovic Berthillot
lumière : Jacques Rouveyrollis

 

Le Théâtre du Petit Gymnase
38, boulevard Bonne Nouvelle
75010 Paris

Du mercredi au samedi à 21h30

 

By Hermine Mauzé

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Spectacle : LA BELLE ET LA BETE le musical de Broadway avec Vincent Niclo & Manon Taris au Théâtre Mogador – INTERVIEW

La Belle et la Bête c’est le spectacle exceptionnel qu’un amoureux offre à sa belle, la soirée complice qu’un groupe de copines se réserve pour chanter en choeur ou encore la sortie pour toute la famille qui aime les contes de fée en musique, mais pas seulement.
On vous fait le pari que la comédie musicale peut attendrir le plus geek de tous les geeks.
Pour preuve, nous – trentenaires endurcis qui usons nos jeans aux concerts électro-pop du moment – nous sommes laissés attendrir par ce récit porté par des décors et costumes bluffants, un humour piquant et des interprètes aux multiples talents !

A l’affiche du Théâtre Mogador depuis la rentrée 2013, le show de Broadway crée encore l’événement en accueillant un invité de marque.

Événement ! Jusqu’au 3 mai, le chanteur à succès Vincent Niclo reprend le rôle de la Bête aux côtés de Manon Taris, la Belle. L’occasion pour la troupe de goûter aux joies d’une nouvelle soirée de première avec invités VIP : Michel Drucker, Lara Fabian, Natasha St Pier, Stéphane Rotenberg
Des guests venus partager après le show quelques moments précieux en coulisses avec la troupe.

Notre équipe a pu rencontrer les deux interprètes, Vincent Niclo et Manon Taris, quelques heures avant la première pour recueillir leurs impressions sur les débuts du premier et la consécration de la seconde.

Y a-t-il une préparation particulière pour jouer le rôle de la Bête ?
Vincent Niclo : Oui, dans le sens où il faut que j’aille chercher en moi le côté le plus bestial que j’ai. Alors je m’inspire beaucoup de mes réveils (rires).  C’est là où je me sens le plus bestial ! (rires)
Avant le café ?
VN : Exactement ! Ou alors des moments où je ne suis pas trop de bonne humeur ou quand je viens de m’engueuler avec quelqu’un. On va chercher des choses où on sent vraiment « aaahhh ! »
Hier pour la générale, ce que j’ai essayé de faire avant d’entrée en scène c’est vraiment ça : “j’en veux à la Terre entière.” Fallait vraiment que je sois comme ça : super speed et très tendu. C’est le côté le plus difficile pour moi.

C’est un peu un personnage double…
VN : Oui et c’est ça qui est intéressant. Mais il n’est pas vraiment double.  En fait, il se modifie au fur et à mesure. J’ai vraiment travaillé comme si j’avais un curseur avec en moi. Dans ma tête, j’aborde la première scène, je suis à dix au niveau bestial. Et puis, petit à petit le curseur redescend et vient s’inverser et on arrive à zéro. A ce moment précis, il devient prince. C’est vraiment ça dans ma tête,  j’essaye dans chaque scène d’y mettre un petit peu plus d’humanité, moins de bête. De plus en plus princier et humain.

Qu’est-ce qui vous a attiré dans le personnage pour faire cette reprise ?
VN : Le challenge ! Parce que, honnêtement, de prime abord, je ne pense pas avoir ce côté bestial. Mais justement c’est ça qui m’a intéressé.
Jusqu’à maintenant, j’ai eu la chance que l’on me propose de très jolis premiers rôles dans des musicals. Mais c’était presque évident dans le sens où physiquement et dans la stature j’étais presque le personnage. Au final, c’est bien mais ça ne nécessite pas d’aller chercher au fond et loin de soi.
Avec ce spectacle,  je n’ai pas le choix, je suis obligé d’aller chercher des choses. Comme je vous dis, je me souviens de choses très sombres, pour essayer de l’incarner au maximum.

Comment appréhende-t-on le changement d’un partenaire ?
Manon Taris : Je pense qu’on laisse venir les choses. Mon travail avec Yoni est ce qu’il est : extrêmement riche en plein de choses. J’adore jouer avec Yoni. C’est un partenaire extrêmement généreux et d’une grande sensibilité donc c’est un vrai plaisir. Et en laissant venir Vincent, en l’accueillant dans ma bulle, entre guillemets, dans ce show, j’ai juste  attendu d’observer ce qu’il est et ce qu’il était prêt à me donner. Et donc du coup, j’agis en conséquence. C’est très intéressant parce que l’on casse les automatismes.

Cela induit-il des changements dans votre jeu ?
MT : Oui. Il y a beaucoup de changements parce que l’énergie de Vincent est différente. On ne peut pas garder la même énergie sinon ce serait faux.  Je suis obligée de me réadapter à tout. Et puis mon sous-texte change. C’est à dire que Vincent m’apporte ses intentions à lui dans le texte qu’il me propose, donc forcément, mes réactions vont être différentes, donc mon sous-texte est en mouvement permanent.

Faut-il casser le « moule » établit par Yoni pour le personnage de la Bête ?
VN : Moi je comparerais ça à une histoire d’amour. Vous avez une relation avec quelqu’un, vous rompez puis après vous avez une autre histoire d’amour. Vous n’aurez pas du tout les mêmes comportements.  Eh bien c’est à peu près la même chose. Ça veut dire qu’on ne peut pas recréer exactement la même chose qu’on a vécue. Et c’est ce qui est intéressant aussi. Comme Marion le disait, on trouve en nous des choses nouvelles et ça nous déclenche des choses que l’on ne soupçonnait pas. Et c’est ce qui est intéressant. Y’a un cadre de base car on sait que c’est une bête et il doit être désagréable, rapide et faire un peu peur. Mais après on y met ce qu’on est soi-même à l’intérieur. Sinon ce ne serait pas intéressant de faire ce métier. (Rires)
MT : C’est très bien récapitulé !

Y a-t-il quelque chose qui vous a surpris en arrivant dans cette production ?
MT : J’ai intégré la maison Stage grâce à Sister Act et j’ai été frappée par les conditions de travail. Je trouve que l’on travaille dans des conditions idylliques. C’est une famille très bien construite. On a une équipe technique absolument parfaite. Quand je dis technique, je ne pense pas qu’au plateau, bien évidemment. Je pense au plateau parce qu’ils sont avec nous tout le temps pendant le spectacle. Je pense aussi à toute l’équipe de maquillage, des costumes qui fait un travail surhumain et qui nous épaule. Et puis l’équipe des bureaux aussi. Car une production c’est un tout. Il n’y a pas que le côté artistique. Je dirais que c’est cela qui m’a surprise dans le bon sens du terme chez Stage.
J’ai fait beaucoup de musicals avant, avec beaucoup de tournées, où il n’y avait pas de maquilleuse, pas d’habilleuse. Il n’y avait pas forcément de régisseurs, ni de techniciens. On monte le décor, on joue, on range le décor, on le met dans le camion et on va dans la ville suivante. La majorité des intermittents du spectacle travaillent dans ces conditions-là. Donc quand on arrive ici, on est comme des rois et il faut savoir apprécier cela.

VN : Je pense que Manon a tout dit. J’ai fait pas mal de salles, de théâtres, d’opéras, franchement c’est presque incroyable un lieu pareil. Je pense que les gens ne le soupçonnent pas avant de l’intégrer. C’est des conditions de travail qui sont optimum pour tout le monde. En dehors du fait que chacun est à sa place,  chacun respecte son corps de métier, et les autres. Tout le monde est là pour livrer le meilleur spectacle.
Il faut savoir que vous avez des retours partout. Tout le théâtre a été reconstruit avec 1 700 places. Y’a une cafétéria, une salle de gym, une salle de répétition avec un piano. Il y a ce qu’on appelle le studio qui représente exactement la scène dans les mêmes conditions avec les entrées et les sorties. Ce qui fait qu’avant même d’être sur scène c’est possible de répéter. Il y a trois terrasses (rires de Manon). Ça peut paraître anodin mais quand vous passez votre vie dans le théâtre vous pouvez quand même aller en extérieur. Il y a des loges partout, les bureaux sont magnifiques. J’en oublie.
Il y a de l’espace. Tout est conçu dans du vieux mais avec une grande modernité. C’est colossal ce qu’ils ont refait : le front de scène, c’est incroyable, les cabines son. Tout est magnifique. C’est le rêve. Ça va être difficile d’aller travailler ailleurs (rires).

Quelle est votre scène préférée dans ce spectacle ?
MT : C’est difficile de résumer. Pour ma part il y a plusieurs très beaux moments dans le spectacle.
Le premier moment fort, je le partage avec le père de Belle au début du spectacle. La chanson s’appelle dans la version originale No matter what, et dans la version française Nous on s’en moque. C’est un moment très particulier. C’est ma première séquence d‘émotion.
J’ai un autre moment que j’aime beaucoup parce que, même si cela peut paraître un peu prétentieux de dire ça parce que c’est un solo, je suis un peu face à moi-même. C’est au deuxième acte, une chanson qui s’appelle Devenir qui je suis – Changing me en anglais –  que je trouve absolument merveilleuse parce qu’elle résume le spectacle. Cette chanson retrace un peu toutes les émotions que j’ai eues au travers de l’histoire. Ma rencontre avec la bête, d’abord ma peur, puis mon acceptation et puis un trouble et enfin une prise de conscience. Dans cette chanson, il se passe donc énormément de choses et c’est un de mes moments forts.
VN : Dans le spectacle, pour moi c’est définitivement la scène de la bibliothèque. Je trouve que c’est là où il y a vraiment le plus de choses qui se passent. Tous les personnages principaux sont là. On est à un pic d’émotion. Cette scène-là, j’adore la faire et je trouve que c’est tellement bien écrit, tellement bien ficelé. En même temps, il y a du chant, une scénette puis on revient sur du chant. C’est du pur musical comme on aime. C’est ma scène préférée.

Comment pourriez-vous convaincre un geek de décrocher de son écran pour venir voir le spectacle ?
VN : Alors s’il y a quelqu’un qui n’a pas envie de rire, qui n’a pas envie d’être émerveillé,  qui n’a pas envie de mettre sa petite larme au niveau émotion, qui n’a pas envie de voir un des plus beau spectacle au monde : qu’il reste devant son ordinateur ! (rires)
MT : Ça c’est fait ! (rires) Je dirais que le spectacle vivant apporte ce que la télé, ou l’ordinateur n’apportera jamais : l’émotion en live. Je pense que même lorsqu’on n’est pas sensible, d’un premier abord, à ce genre de spectacle il faut tenter. Parce qu’on est dans un monde où on oublie cruellement l’humain et le théâtre c’est humain.

 LA BELLE ET LA BETE, le musical

 du mardi au vendredi à 20h

samedi à 15h et 20h
dimanche à 11h et 16h

 

au Théâtre Mogador
25, rue de Mogador
75009 PARIS

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Festival NUITS DE FOURVIERE 2014 : un programme réjouissant avec Damon Albarn – Vanessa Paradis – Fauve – des marionnettes, du cirque et du hip hop

Nuits de Fourvière 2014 au Théâtre Antique de Lyon.
Asaf Avidian en solo acoustique, Stromae – sold out dès les premières heures de l’ouverture de la billetterie – Damon Albarn, Goldfrapp, Agnes Obel, Emilie Simon, Bob Wilson, Pixies, Fauve, Franz Ferdinand sont quelques uns des prestigieux noms qui se produiront au Festival des Nuits de Fourvière 2014 à partir du 3 juin. 

Ce lundi matin à Lyon, notre équipe est fébrile à l’approche de la conférence de presse devant l’affiche du festival réalisée par l’artiste Ryan McGinley. 2014 est la dernière édition présentée par le Département du Rhône, car 2015 sera sous étendard lyonnais.

Les Nuits de Fourvière sont la promesse de soirées uniques, festives et complices pour les Lyonnais mais aussi pour les nombreux festivaliers venant de loin. Il n’est effectivement pas rare, par exemple, que des Anglais prennent la route pour le Théâtre Antique. Un concert de Vanessa Paradis au Casino de Paris ou à la Halle Tony Garnier n’a pas du tout la même saveur qu’un live au grand air. Les spectateurs ayant assisté à sa prestation en 2008 s’en souviennent encore.
Exclu cette année, l’artiste qui défendra son dernier album Love Songs sera accompagnée des musiciens du Conservatoire de Lyon, sous la direction musicale de Benjamin Biolay. Frissons en vue le 10 juin. Spectacle complet mais une liste d’attente est ouverte en appelant la ligne des Nuits.

Emotion aussi avec le spectacle de la compagnie australienne Circa – dont on avait adoré le spectacle Wunderkammer présenté à Paris en 2012. Leur création Beyond inaugurera le Magic Mirror, installé sur la pelouse de Fourvière, pour 10 soirées de cirque, de voltiges et autres prouesses dont seule cette troupe a le secret.

Autre performance et création qui mérite votre attention : Répertoire #1 de Mourad Merzouki qui rejouera et réinterprètera des pièces majeures de la danse hip-hop avec 30 danseurs sur scène. Rendez-vous les 23 et 24 juin.

À noter : une première cette année. L’arrivée des marionnettes avec 3 spectacles : Ignorance et Famous Puppet Death Scenes par la compagnie canadienne The Old Trout Puppet Workshop et Orsini Marionetas de l’argentin Rubun Orsini. Des soirées pour adultes et enfants de plus de 12 ans présentées en partenariat avec le Musées Gadagne et le Théâtre Nouvelle Génération du 16 au 29 juin.

Côté théâtre, notre entière curiosité est portée sur War and Breakfast du dramaturge anglais Mark Ravenhill, plus connu pour la pièce Shopping and Fucking. Grâce à la mise en scène de Jean-Pierre Vincent les étudiants de l’Ensatt vont interpréter cet ensemble de courtes pièces dans la totalité des espaces de leur école. Une pièce itinérante, comme ça avait été le cas il y a une dizaine d’années dans ce même établissement.

De la star internationale, il y en aura encore cette année avec Pixies, ZZ TOP et Elton John dont le prix de la place 55€ est suffisamment exceptionnel pour ne pas céder. La soirée du 16 juillet affiche complet en moins d’un semaine.

Avec une jauge variable de 4 500 places le Théâtre Antique offre un écrin unique sous le ciel étoilé de Lyon. Il ne faut donc pas tarder pour réserver vos prochaines soirées d’été avec Etienne Daho, plutôt rare sur les scènes lyonnaises, Damon Albarn de retour après la réformation de Blur à Fourvière mais aussi Portishead.

Parmi cette programmation foisonnante, notons la venue exceptionnelle de deux vétérans américains de la chanson. Le premier : l’incroyable Booby Womack, 70 ans, auteur et interprète du standard Across 110th Street – présente sur la bande-orginale de Jackie Brown de Tarantino et  guest des albums de Gorillaz. Le second âgé de 86 ans, dieu vivant de la chanson américaine qui a composé des titres interprétés par Tom Jones, Dionne Warwick, Aretha Franklyn et Diana Krall : Burt Bacharach auteur de Raindrops Keep Fallin’ on My Head (Toute la pluie tombe sur moi).

En tout 60 spectacles et 174 représentations pendant 2 mois, juin et  juillet, et dans plusieurs lieux en plus du Théâtre Antique gallo-romain. Précaution d’usage, la surprise et l’émotion ne sont peut-être pas forcément là où vous l’attendez.
Notre équipe n’est pas la seule à penser que le samedi 28 juin, le groupe versaillais Phoenix risque fort d’avoir un concurrent de taille le groupe halluciné de Moodoïd.

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Toutes les infos sont sur le site officiel des Nuits de Fourvière : www.nuitsdefourviere.com

Et prochainement sur #UnitedStatesofParis : le focus de l’équipe et le coup de coeur des bloggers lyonnais ! 

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BALLET REVOLUCION au Casino de Paris : le show cubain revisité ! INTERVIEW de l’équipe artistique

Après le succès parisien de janvier 2013, le Ballet Revolucion est de retour au Casino de Paris du 18 au 30 mars 2014. L’occasion une nouvelle fois de découvrir que les américains n’ont pas le monopole du show artistique taillé au millimètre. Il faut compter sur l’énergie et l’inventivité des artistes cubains qui ont revisité leur spectacle avec plus de nouvelles chorégraphies et chansons. 

L’équipe du blog a eu la chance de rencontrer trois membres de l’équipe artistique avant la première, mardi : Roclan Gonzales Chavez, le chorégraphe superstar de la télé cubaine, Osmar Salazar Hernandez, directeur musical et bassiste et l’un des danseurs, Alejandro Pérez Fernandès.

En tournée depuis plusieurs mois, chacun a un souvenir ému et personnel vécu au cours de la tournée. Pour le chorégraphe – qui a travaillé pour le Tropicanacabaret le plus célèbre de Cuba – ça a été la chance d’avoir eu accès aux coulisses du Moulin Rouge. Un cliché pour un étranger à Paris ? Certainement pas pour Roclan qui a pu filmer, photographier et s’imprégner de la technique de danse et des performances à la française. Aussi étrange qu’il puisse paraître pour deux pays si éloignés, il a trouvé des similitudes dans la technique et l’organisation d’un spectacle en France et à Cuba.

Osmar Salazar Hernandez n’en revient toujours pas de la première du spectacle nouvelle version qui a eu lieu à Berlin. Il y avait du stress après le travail de choix des chansons, de l’orchestration pourtant l’accueil du public a été incroyable.

Alejandro  lui a encore du mal à cacher son émotion d’avoir dansé pour la Reine Elizabeth et d’avoir pu la rencontrer en 2012. Un moment inoubliable.

Pour Osmar, perfectionniste, le travail et la concentration sont constants. Il est toujours nécessaire d’être en accord avec l’énergie des danseurs sur scène et d’améliorer certains détails, d’un soir à l’autre.
A Cuba, il a l’habitude de jouer des musiques latines. Avec ce spectacle, il a la chance de mixer en une soirée des musiques comme Mambo qu’il a écrite en hommage à la Havane des années 60 et 70 – avec des standards américains et de les partager avec le public européen. Le chorégraphe tient justement ce titre phare  comme un morceau essentiel du spectacle parce qu’il traduit les racines afro-cubaines de la danse cubaine. C’est l’âme de la Havane.

Roclan aime préciser que l’émotion nait à chaque fois, dans chaque nouveau théâtre, chaque nouvelle ville. Une première à Paris, Monaco, Munich c’est comme redécouvrir le spectacle, car il y a toujours une surprise.

Alejandro, le danseur, décrit ce show comme une école de chaque jour, ne serait-ce que par la fusion intense des styles de danses présentés sur scène. Formé à la danse contemporaine, il a dû apprendre des pas classiques, la rythmique live et l’énergie à l’intérieur du groupe afin d’interagir avec les autres danseurs. Il a un rapport particulier avec la chanson de Ricky Martin, She Bangs – la dernière du show – qui est certainement celle qui l’inspire le plus, parce qu’elle est à la fois joyeuse et incroyablement rythmée.

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Vous l’aurez deviné avec ce teaser, le Ballet Revolucion met un feu d’enfer, les danseurs sont débordants de sensualité. Toutefois, certaines musiques un peu trop pop peuvent parfois donner au spectacle un côté un peu “cheap” mais assumé. Les artistes sont excellents lorsqu’ils effectuent des chorégraphie contemporaines sur des rythmes cubains endiablés. Ils emportent le public lorsqu’ils dansent tous ensemble dans des costumes colorés ou quand ils se servent de leurs corps comme d’une percussion. En revanche, ils sont un peu moins convaincants dans des séquences taillées pour la télé avec Rihanna et Beyonce en fond sonore.
L’orchestre live déploie une énergie qui se diffuse dans les rangs. Finalement on se laisse emporter par ce spectacle populaire qui donne envie d’aller rejoindre les athlètes sur scène pour une salsa… muy caliente !

BALLET REVOLUCION
au Casino de Paris
du 18 au 30 mars 2014

du mardi au samedi à 20h
matinées le samedi et dimanche à 15h

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MANGEZ-LE SI VOUS VOULEZ de Jean Teulé – une pièce effarante et ingénieuse par la Cie Fouic au Théâtre Tristan Bernard

Révélation Off du dernier Festival d’Avignon, la pièce Mangez-le si vous voulez offre une mise en scène incroyable pour conter l’impossible histoire d’un massacre, le drame de Hautefaye, orchestré en 1870 en France. Au Théâtre Tristan Bernard tous les soirs, la pièce se joue en alternance avec la Troupe à  Palmade.

La promo de Jean Teulé pour son livre Mangez-le si vous voulez ne vous avait sans doute pas échappé, à l’époque. Beaucoup ont lu cette histoire, d’autres en ont entendu parler sans en connaître les moult détails et rebondissements.

Pour les non initiés, le récit détaillé du supplice d’Alain de Monéys peut impressionner. Mais aussi troublante que soit l’histoire, la mise en scène de Jean-Christophe Dollé et Clotilde Morgière permet aussi de rire, de sourire de l’effroi.

C’est l’histoire d’un malentendu. Un jeune homme de 32 ans part visiter la foire du village voisin du sien. Il croise des connaissances, des voisins, des amis et puis répète une phrase prononcée par un autre. C’est anodin, pense-t-il. Incompréhension et déchaînement de violence vont suivre ces quelques mots finalement sans importance mais prononcé dans un contexte de guerre avec les Prussiens. Il va alors devenir le sujet d’un déchainement de haine inouïe, catalysant la rancœur et la frustration d’un village entier.

Cette histoire à multiples personnages est portée par 4 interprètes incroyables.
Jean-Christophe Dollé prend le récit en main d’un bout à l’autre de la pièce, sans s’essouffler, ni baisser d’intensité. Il est à la fois conteur, interprète, victime et bourreau. Ce tour de force est assez saisissant car la fluidité de l’histoire est intacte.

À ses côtés, Clotilde Morgière offre une performance malicieuse et quasi silencieuse. Ne jouant des expressions de son visage et de son corps, son jeu est la gageure d’une interprète exceptionnelle. Préparant un repas improbable dans un décor de cuisine rétro, en contre-point du récit, la présence de la comédienne permet de la distance à certaines scènes du boucherie folle. Elle se fait aussi prétendante d’Alain. Une âme bienveillante, comme une vierge Marie démunie face à la souffrance de la personne qu’elle aime le plus.

Le décalage présent dans cette pièce entre humour et horreur, conte avec histoire d’amour et chansons, est aussi surréaliste qu’efficace. Raison sans doute de l’adoubement de l’auteur Jean Teulé qui a découvert le projet de cette pièce, adaptée de son livre, seulement une fois créée.

Deux musiciens, Laurent Gillet et Mehdi Bourayou, viennent soutenir le jeu, intervenant quelques fois en complices de la scène et offrant surtout une bande-sonore aussi bien discrète qu’essentielle à ce récit que l’on aimerait d’un autre temps.

Car, après tout, ce qui angoisse le plus c’est que l’on imagine que ce déchaînement pourrait survenir encore à notre époque.
Glaçant.

 

MANGEZ-LE SI VOUS VOULEZ
d’après le livre de Jean Teulé aux Éditions Julliard

avec Jean-Christophe Dollé, Clotilde Morgière
Laurent Gillet et Mehdi Bouravou

 

du mardi au samedi soit à 19h soit à 21h

 

au Théâtre Tristan Bernard
64, rue du Rocher
75008 PARIS

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Même pas vrai ! au Théâtre Saint Georges : écriture efficace & humour décapant

Après une première rencontre avec la troupe de Même pas vrai ! en novembre dernier au Théâtre Saint-Georges, nous étions impatients de prendre place devant cette joyeuse bande. Après deux mois passés au Théâtre de la Tête d’or à Lyon, et l’été dernier au Festival d’Avignon, il était presque sûr que nous allions assister à un spectacle déjà bien rôdé.

Difficile de résumer cette pièce à tiroirs sans en dévoiler un rebondissement ou ébruiter un élément charnière de l’histoire. Tentons pourtant un pitch des premières minutes de l’histoire. Ça commencerait par une famille de doux dingues composée d’Arnaud, Mathilde et de leur fils Mikaël. Ces trois-là ont la fâcheuse tendance à régler leurs affaires de famille au cours de soirées auxquelles ils aiment convier leurs amis Irène et Bernard. Le tout en mentant et s’inventant des histoires et créant des personnages. Marie, la nouvelle copine un peu trop collante de Bernard, va être la première victime des piques et attaques verbales plutôt acides de cette bande d’excités du bon mot.  La soirée va tourner très vite à l’aigre et faire remonter, involontairement et au désespoir de tous, les non-dits et les différents secrets dissimulés par les uns et les autres.

Dans cette pièce écrite au cordeau, chaque personnage évolue dans un registre qui lui est propre et de manière complémentaire vis-à-vis de ses partenaires. Mathilde, la mère, joue de son humour cinglant pour se créer une armure contre le temps qui passe, en écorchant parfois les autres. Arnaud, le père, veut sortir du mode de communication plutôt stérile dans lequel sa famille s’est enfermée sans y parvenir. Mikaël fuit ses parents qui tente de percer ce qu’il cache. Irène essaye, elle, de remettre cette famille sur les rails. Bernard profite du couple pour cacher ses propres travers. Et Marie tient le rôle de la conne de la soirée.

L’histoire est servie par une mise en scène millimétrée. Jean-Luc Revol, qui avait oeuvré sur Une Souris Verte et Le Cabaret des hommes perdus, tire le meilleur du texte et de sa troupe d’acteurs. Haletante, la mise en scène permet à chacun des protagonistes d’être mis en avant. Les décors de Stéphanie Jarre ne sont pas en reste, permettant de démultiplier l’espace avec une belle ingéniosité.

La troupe se révèle vraiment parfaite sur scène. Chaque acteur peut s’épanouir dans son rôle, avoir son moment fort dans l’histoire. Nous ne cacherons pas que nous découvrons Bruno Madinier (Arnaud) dans un registre qui nous était inconnu jusqu’alors. Il déploie une belle énergie sur scène, jouant le mari toujours très amoureux de sa femme mais qui ne sait plus comment se sortir de cette situation en déliquescence  Surprenant aussi en mangeur de yaourt, il nous offre une séquence d’une drôlerie assumée. Anne Bouvier (Marie) est idéale dans le rôle de la bourgeoise qui débarque dans ce dîner chausse-trappe. Christophe Guybet (Bernard) et Valérie Zaccomer (Irène) se renvoient la balle à merveille dans leur rôle d’amis et pilier de cette famille peu commune. Ces deux acteurs sont épatants au moment où les nerfs lâchent et se retrouvent en pleine crise.

Même si tous les acteurs tiennent le haut du pavé, Raphaëline Goupilleau (Mathilde) et Thomas Maurion (Mikaël) emportent le Saint-Graal de l’humour.
Peut-être est-ce dû à leur rôle. Mais Raphaëline Goupilleau est merveilleuse de drôlerie dans les saillies et garde une énergie particulière du début à la fin de la pièce, révélant avec finesse les fêlures de son personnage. Quant à Thomas Maurion, il est très juste dans les ruptures d’attitudes que lui confère son rôle de post-ado : passant du dépit à la connivence nécessaire pour entrer dans le jeu de mensonges de ses parents en un clin d’oeil, parents qui ne le ménagent à aucun moment.

Surtout, il faut souligner un écriture particulièrement moderne et en parfaite résonance avec les styles actuels. La fulgurence des répliques oscillent entre humour noir et humour vache. Les petites phrases fusent. Les bons mots se percutent. Les auteurs, Nicolas Poiret et Sébastien Blanc, nous prennent souvent au dépourvu, sont parfois cruels comme cette réplique de Mathilde à Mikaël “J’ai pas passé 12 heures à subir des contractions pour que tu me parles sur ce ton-là“. Ou encore au moment de la soirée avec Marie : ” – Vous Voulez boire quelque chose ?Je prendrais bien un Martini Si vous voulez. Mais les alcools sont payants“.

Des répliques tordantes, il y en a beaucoup d’autres, dont certaines sont féroces. Leur fréquence est tellement intense qu’il est certainement impossible de les retenir toutes. Chapeau bas à Nicolas Poiret et Sébastien Blanc pour cette écriture surprenante et pleine de peps, déroutante un peu au début mais qui mène toujours aux rires, et aussi à l’émotion. Il est rare de rencontrer cette qualité d’écriture dans les nouvelles productions actuellement, c’est pour cela que nous souhaitons la célébrer ici.

MÊME PAS VRAI !

Du mardi au samedi à 20h30
matinée le samedi à 17h

au Théâtre Saint-Georges
51 Rue Saint-Georges
75009 Paris

De : Nicolas Poiret, Sébastien Blanc
Mise en scène : Jean-Luc Revol
Avec Anne Bouvier, Raphaëline Goupilleau, Christophe Guybet,Bruno Madinier, Thomas Maurion, Valérie Zaccomer
Décors : Stéfanie Jarre

 

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Spectacle : la vie du grand violoniste HAIM LIPSKY par Gérald Garutti avec Mélanie Doutey éblouie la Salle Gaveau – INTERVIEW

Reprise exceptionnelle du spectacle musical : Haïm, à la lumière d’un violon à la Salle Gaveau à Paris, avec la comédienne Mélanie Doutey. 

Haïm Lipsky est né en 1922 à Lodz dans une famille très modeste de 7 enfants où la chemise que l’on achetait à l’aîné faisait l’affaire pour les 6 autres jusqu’à finir en quasi lambeaux sur les épaules du petit dernier. Mais Haïm signifie “la vie”, et il a fallu y croire à la vie pour traverser ce siècle qui n’a pas épargné ce virtuose.

Très tôt cet enfant précoce développe un don hors du commun pour la musique. Ses parents se saignent aux quatre veines pour lui acheter une mandoline puis un petit violon. Sous l’égide d’un voisin cordonnier, il apprend à apprivoiser les quatre cordes de son précieux compagnon. Bercé par Bronislav, Hubermann, Joseph Szigeti, Arthur Rubinstein il devient vite un véritable musicien.

Quand les allemands envahissent la Pologne, la famille Lipsky est coincée dans le ghetto où la misère tue à petit feu les juifs coincés dans cet environnement de terreur. Les allemands alimentent à minima le ghetto en nourriture, juste suffisamment pour qu’il soit rentable pour l’Allemagne nazi et que seuls les plus faibles crèvent.

Dans ce contexte de brimades quotidiennes, Haïm tient le coup grâce à son violon, qui lui permet d’accéder à quelques maigres privilèges. Finalement, il est déporté à Auschwitz en 1943 et son instrument le sauve une fois encore puisqu’il est admis dans l’orchestre d’Auschwitz. La musique est le passe-temps des bourreaux et il est contraint de jouer en boucle une dizaine de mélodies “pas dégénérées” et “joyeuses” pendant les exécutions. Il souffre de ce privilège insupportable qui l’empêche de mourir tout de suite.

Il réussit à s’enfuir miraculeusement lors de la “marche de la mort” peu avant la Libération. Après sa sortie, Haïm n’a plus pu toucher à son instrument.

Gérald Garutti, le metteur en scène a été approché par la fille de Haïm qui lui a demandé de mettre en scène l’histoire incroyable de son papa. Il a alors choisi la comédienne-conteuse pleine d’énergie Mélanie Doutey pour réciter l’histoire de ce grand musicien qui a traversé le 20 ème siècle. Vêtue d’une tenue de lin trop large pour elle et d’un trench informe elle prend la parole entre chaque intervention des quatre musiciens. Dana au piano, Samuel à la clarinette et Alexis qui met du coeur à faire vibrer l’accordéon et enfin Namaan le petit-fils de Haïm. Entre mélodies klezmer et musique classique on vit un théâtre musical tout à fait extraordinaire. On virevolte de Bruch à Bartók passant d’une mélancolie poignante à des airs enjoués. Il y a une émotion toute particulière lorsque Naaman Sluchi entonne avec son archet le concerto de Mendelsohn.

Au son du violon, on pense très fort à ces personnages hors du commun qui créent dans des conditions dénuées d’humanité. L’historienne Germaine Tillion a écrit à Ravensbruck Le Verfügbar aux Enfers ou Viktor Ullmann qui a composé un opéra en 1943 dans le camp de Terezin.

Notre seul regret est que ce récital soit donné “Salle Gaveau”, sur une scène volontairement dénuée de décors. L’acoustique est parfaite mais la salle est un peu austère presque un peu bourgeoise ce qui empêche parfois de plonger dans cette ambiance slave d’avant guerre.

On vous recommande cette pièce unanimement saluée par la critique et qui mérite son succès.

Interview filmée de Gérald Garutti

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Haïm à la lumière d’un violon

Avec :
Mélanie Doutey, comédienne
Naaman Sluchin, violon
Dana Ciocarlie, piano
Alexis Kune, accordéoniste
Samuel Maquin, clarinette

Gérald Garutti, écriture et mise en scène

Salle Gaveau
45 – 47 rue de la Boétie
75008 Paris

les 29 et 30 mars, 12, 13, 26 et 27 avril 2014

 

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Actu 2.0 : pour illuminer sa façade, le Théâtre Saint-Georges se met au crowfunding !

Michel Galabru, Pierre Palmade, Camille Cottin (la Connasse de Canal Plus), Jean-Luc Moreau sont quelques-uns des grands noms qui ont récemment tenu l’affiche au Théâtre St Georges à Paris.

La vie des lieux de culture (intellectuelle ou plus noctambule) est parfois difficile. Alors pour financer leurs travaux, certains établissements utilise la méthode du crowfunding. Mais qu’est-ce c’est déjà le crowfunding?

C’est une méthode de financement dite participative ou production communautaire pour laquelle chaque financeur reçoit ou non, une contrepartie plus ou moins grande en fonction du montant alloué à l’opération. On  retrouve ce mode de financement dans beaucoup de domaines :  la production musicale (My Major company), l’art , le sport (sportfunder.com), la culture, la restauration… Le site généraliste le plus réputé étant Kiss Kiss Bank Bank.

Le Théâtre Saint Georges souhaite illuminer la nouvelle année en renouvelant les lumières de sa façade. Mais être plus écologique, tout en ayant un éclairage plus efficace, n’est pas forcément à porter de bourse pour n’importe quel théâtre privé.

Alors si vous vous sentez l’âme d’un mécène, sans nuire à vos économies pour autant, participez comme nous à ce partenariat original pour aider ce beau théâtre à aller au bout de son rêve.
Les contreparties à votre participation vont d’une photo dédicacée de la troupe de Même pas vrai actuellement à l’affiche à la visite des coulisses ainsi que des places pour voir la pièce. Et pourquoi pas retrouver votre portrait photo sur le mur des mécènes dans le hall du théâtre ?
En plus de ces avantages, cette opération vous permettra de tisser des beaux liens avec l’équipe du Saint-Georges : chaleureuse, accueillante et définitivement connectée et 2.0.

Et qui sait, si c’est votre première expérience de soutien de projet online, peut-être aurez-vous envie de renouveler l’expérience et participer au financement de l’un des multiples projets présents à travers le web et le monde.

Toutes les infos pour soutenir le Théâtre Saint-Georges sont sur : http://www.bulbintown.com/projects/theatre-saint-georges/accueil

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Théâtre : Court sucré ou long sans sucre ? un vaudeville moderne mis en scène par Jean-Muc Moreau avec Bruno Chapelle et Sylvie Audecoeur à la Comédie Bastille

Un couple adultérin, une consultante nymphoman, un client amoureux en secret et un collaborateur gaffeur, voilà les personnages aux trains joyeusement colorés de la pièce Court sucré ou long sans sucre ? Vous ne pouvez pas vous tromper c’est bien un vaudeville mais qui dépoussière le genre avec esprit et pépites.

Chloé et Patrick – qui dirigent Top Event, une agence de communication – doivent absolument décrocher le budget de la convention des Charcuteries Flocel afin de renflouer leurs comptes. Habituellement leur client et ami, Thierry, leur alloue d’office le “full budg” pour cette opé annuelle. Mais la fusion de la branche Europe et France de l’entreprise Flocel remet en cause cette attribution : Nancy l’adjointe anglo-saxonne – au-dessus – de Thierry est là pour veiller aux dépenses. Tout se passe plus ou moins bien jusqu’à ce que cette dernière ne décide d’assouvir ses pulsions sur – et non pas avec – Patrick. Heureusement, Aldo, le créatif un peu lourd, est là pour sauver la mise et s’occuper de la libido débordante de la miss.

Mise en scène par Jean-Luc Moreau, cette pièce est mener tambour battant. On évite les portes qui claquent à répétition mais pas les situations de quiproquos, ni le pote complice dont on aimerait se débarrasser et qui est resté caché dans le placard – de vrais fers de lance de ce genre théâtral. Chaque acteur est dans son rôle et les saillies font mouches. Pour une pièce affichant 10 bonnes années au compteur, c’est assez bluffant. Elle s’est fait, au passage, une petite cure de jouvence en collant à l’actu du moment et nouvelles technologies.

Il ne faut pas oublier de mentionner une “scène de lit” vraiment réussie avec Aldo qui surgit de derrière le canapé pour ses répliques et la partie musicale avec des détournements de chansons plutôt bien pensées d’Alexandrie Alexandra et d’autres que vous découvrirez sur place.

Un seul petit regret dans cette mise en scène : un défaut d’accent sur les anglicismes propres au jargon de la com’.
Alors le temps d’une soirée demandez-vous “court sucré ou long sans sucre ?” et partager 1h30 de rigolade à la Comédie BastilleToutefois attention ! Vous ne verrez plus vos relations de travail comme après cette pièce.

 

Court sucré ou long sans sucre ?

Depuis le 18 janvier 2014
Du mardi au samedi a 21h
Samedi et dimanche a 17h

à la Comédie Bastille

5, rue Nicolas Appert 75011 PARIS

Avec
Sylvie AUDCOEUR
David BASANT
Bruno CHAPELLE
Olivier YENI
Martyne VISCIANO

BON PLAN ! Tarif Jeune (moins de 26 ans) 10 € en fonction des places disponibles, réservation uniquement au téléphone auprès du théâtre ou sur place le jour même.

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HUMOUR : Dernières de la comédie policière PAS DE NOUNOU POUR THOUTMOSIS au Café de la Gare

 Dernière le 2 février pour la comédie policière désopilante Pas de nounou pour Thoutmosis au Café de la Gare.

Mais c’est qui au juste Thoutmosis ?
Non, ce n’est pas un chien, ni un quelconque animal de compagnie. C’est un bébé, effectivement mal baptisé à cause d’un père un peu trop original et quelque peu ébréché le jour de déclaration de naissance.

Ce petit dont les parents sont séparés depuis, est une charge de trop pour la gentille maman qui rêve d’une soirée pina colada. Elle décide donc de le céder temporairement à son père et sa compagne. Alain et Nathalie ont pourtant d’autres plans ce soir-là : ils ont un anniversaire à fêter.
Rajoutez à ce tableau, une concierge à l’accent non identifiable, le commissaire Galois et  l’inspecteur Letallec et vous obtiendrez une farce à rebondissements et quiproquos de tout bord.

Vous pensiez que les soirées galères (plusieurs le même soir) était votre lot régulier ? Prenez donc la direction du Café de la Gare et vous vous rendrez compte qu’il y a toujours pire. Toutefois, prenez garde avant de vous asseoir : les fous rires sont contagieux et certains soirs ce ne sont pas seulement les spectateurs qui rient aux éclats. Les comédiens prennent un malin plaisir à rajouter des répliques et à se surprendre les uns les autres, gardant leur sérieux avec difficulté.

Le couffin dans ce joyeux bordel imaginé par Bruno Lugan et mis en scène par Philippe Manesse a bien du mérite à trouver le sommeil.

PAS DE NOUNOU POUR THOUTMOSIS

comédie policière de Bruno Lugan
mise en scène de Philippe Manesse

 

avec Patrice Minet, Laurie Marzougui, Laeititia Vercken, Carole Massana, Christine Anglio et Philippe Manesse

les lundi et mardi à 20h30
lesvendredi, samedi et dimanche à 19h

au Café de la Gare
41, rue du Temple
75004 PARIS

 

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