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Aurora en interview : “La musique est une force motrice !”

AURORA est notre coup de cœur musical de ces deux dernières années. 
La retrouver sur scène est une bulle de bonheur. C’est une artiste chargée d’énergie positive qui donne le smile et emporte dans un univers où il fait bon vivre. Depuis notre première rencontre, AURORA a bouleversé le globe.
Pour ce deuxième tête-à-tête, l’espiègle elfe nous à dévoilé son second album Infections of a different kind, enregistré en France. Un disque plus politique et activiste que le précédent.

Aurora
Selfie exclu UsofParis
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INTERVIEW / AURORA 

USofParis : Tu as sorti ton deuxième album Infections of a different kind, la première étape, pourquoi avoir divisé ce projet ?

AURORA : Parce que je veux que les gens aient du temps, pour qu’ils portent plus d’attention sur chaque chanson. Je voulais que chaque titre soit spécial.
Mon premier album est une sorte d’exploration de nos propres démons, de se battre pour guérir et de nous donner le temps de devenir meilleur. Cette nouvelle étape est une sorte de suite assez naturelle. Il s’agit de faire des choix pour soi-même. Par exemple, si vous êtes malheureux avec quelqu’un  vous devriez partir. Si quelqu’un vous traite mal, vous devriez le quitter. Vous pouvez changer la façon dont vous ressentez cela chaque jour. Vous pouvez décider comment être heureux. Je veux que les gens soient heureux.

Pourquoi ?

Parce que les gens heureux sont une ressource pour le monde. Lorsque vous êtes heureux, vous pouvez réellement faire quelque chose. Vous pouvez créer, vous pouvez aider, vous pouvez vous battre pour les personnes qui ne peuvent pas se battre pour elles-mêmes. C’est pourquoi il est si important pour moi que mes amis, mes fans et ma famille soient heureux.

Combien d’étapes as-tu prévu pour ce projet ?

C’est excitant, n’est-ce pas ? Il y en aura plus qu’une 🙂
Je sais ! Mais dans mon équipe, ils ne savent pas. Je suis dans une sorte de long voyage.

Aurora

Pourquoi avoir choisi la France pour enregistrer ce disque ?

Sur mon premier album, je peux entendre qu’il faisait en quelque sorte froid, c’était tranchant, plutôt sombre. Je suis vraiment touchée par l’endroit où je suis. Tout le monde l’est. J’écris tout le temps, j’écris en tournée. J’ai beaucoup de chansons, peut-être 200.
Je voulais aller dans un endroit différent, où personne ne puisse me joindre. Comme si j’étais sur une autre planète. Alors j’ai choisi la France, La Fabrique qui était magnifique. J’aime les gens là-bas, ils ont un chien Paula et un chat Ginger, ils se sont mariés. C’était fabuleux ! Pendant les jours d’enregistrement, ils étaient en studio avec nous, j’entends Paula et Ginger sur l’album. L’album est plus chaud, je voulais vraiment essayer d’être plus organique. J’ai enregistré des sons organiques en les faisant sonner comme s’ils venaient « d’un autre monde». J’ai vraiment exploré parce que j’en sais plus sur moi maintenant qu’avant.

Dans une interview, tu disais “Mon premier album c’est comme l’ancienne AURORA“. Dans celui-ci, est-ce vraiment la AURORA d’aujourd’hui ?

Oui ! 🙂

Qui est-elle ?

Mon point de vue est plus large, car je chante beaucoup plus que ce que je pensais. J’ai rencontré tellement de gens au Brésil, en Australie, Asie, en France… J’ai beaucoup appris.
Maintenant, j’en sais plus à propos de ce que je pense que le monde a besoin de moi. Je veux créer la musique dont les gens ont besoin, car la musique est un outil. La musique est une force motrice qui peut changer beaucoup de choses et inspirer les gens. J’espère que ma musique peut être le genre d’ami dont les gens ont besoin maintenant.
C’est la raison pour laquelle je suis devenue assez politique, je sens que maintenant nous avons besoin d’être un peu plus politique.

Pourquoi cet engagement ?

Il se passe des choses aux États-Unis, en France, au Brésil, en Norvège et dans le monde entier. Nous pouvons penser qu’ils ont le contrôle mais ils ne l’ont pas. Nous l’avons parce que nous sommes plus nombreux qu’eux. Mais ils ont davantage de pouvoir. Je ressens simplement que maintenant c’est un moment important pour être engagé. Si tout va bien ici alors tu dois aller là-bas aider, montrer ton soutien. C’est tellement triste, tellement déchirant. Je veux vraiment que les gens soient des guerriers pour ceux qui en ont besoin. Nous avons déjà fait pire dans l’Histoire et nous sommes allés très loin. Je pense qu’avec la bonne attitude, nous pouvons à nouveau avoir une grande histoire. Nous devons nous rappeler que nous pouvons et devons nous en soucier même si cela ne nous concerne pas.

Sais-tu pourquoi tu es devenue chanteuse ?

Cela change de jour en jour. Il y a tellement de choses que je ne comprends pas sur les humains. Pourquoi nous faisons tant de choses étranges ? Pourquoi sommes-nous si intelligents ? Nous sommes l’espèce la plus intelligente de la planète – c’est ce que nous disons. Mais c’est tellement bizarre ce que nous choisissons de faire avec cette intelligence, tant de choses stupides ! Horrible !
Nous faisons aussi beaucoup de bonnes choses. La plupart du temps, je me sens vraiment inspirée d’être à part. Mes mots ne veulent rien dire quand personne ne les écoute. Ce n’est pas pareil si vous criez dans la forêt, car personne ne reçoit les mots.
Nous sommes beaucoup plus qu’un artiste et des fans, nous sommes comme une communauté ! C’est très inspirant et effrayant, mais plaisant, de voir à quel point les choses peuvent vite changer pour beaucoup de monde. J’ai vraiment l’impression que mon but principal maintenant est de rappeler aux gens qu’ils sont si importants, même s’ils se sentent petits.
Parfois, je pense que je veux juste être libre et que j’aime être sur scène parce que je me sens comme une âme libre. Je peux simplement danser et je peux faire des gestes stupides et je m’en fous.

Aurora

Infections of a different kind est-elle la seule chanson de l’album que tu as écrite seule ?

Bien qu’il y ait des noms dans les crédits, parce que lorsque vous êtes dans la salle vous avez forcément votre nom comme auteur sur la chanson – c’est normal chaque présence affecte la chanson -, je fais toutes mes mélodies et les paroles moi-même pour toutes mes chansons. Parce que je suis assez égoïste et je sais ce que je veux. 🙂  Je suis très occupée, je suis en tournée tout le temps, j’écris tout le temps. Il est difficile de finir les choses toute seule parce que mon esprit est tellement partout. J’ai mille idées à la fois. C’est tellement agréable d’être avec des amis et de collaborer ensemble. Normalement je sors mes chansons, je les enregistre avec mon équipe. On construit ensemble l’univers et je les reprends avec moi et je les refais encore à ma façon. C’est beau de créer des choses avec des personnes qui peuvent m’apprendre des choses et m’aider.
C’est une chose très personnelle, c’est pourquoi j’aime écrire les paroles moi-même parce que je ne veux pas que d’autres personnes puissent savoir à propos de quoi elles sont. Je veux qu’ils aient la même expérience que n’importe qui. C’est une toute nouvelle expérience de chanter les chansons que tu écris toi-même.

Le lien est fort ! 

Je fais deux covers parfois sur scène (Life on Mars et Nature Boy). C’est très bien parce que vous pouvez aider à garder une chanson vivante. Certaines personnes peuvent ne jamais avoir entendu parler d’un titre, certaines personnes peuvent l’avoir oublier. C’est une toute autre chose quand je sais d’où vient la chanson. Chacune de mes chansons n’est pas personnelle, mais elles viennent de choses que j’ai vues ou entendues au cours de mon voyage, à qui je suis actuellement.
Infection of a different kind est la seule chanson que j’ai écrite quand j’étais complètement seule dans une pièce sombre. C’était au milieu d’une nuit, je me suis réveillée. Mais j’écris toujours toutes mes chansons moi-même, simplement parce que j’aime mes propres idées.

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Nous adorons Forgotten Love. Nous pensons que c’est si beau la façon que tu as de parler d’amour. Tu es toujours en tournée, as-tu du temps pour l’amour ?

Je suis toujours en tournée et même si je suis chez moi, je me choisis moi d’abord ! Je dois m’assurer d’avoir la bonne énergie pour mon prochain voyage, car je vais rencontrer des milliers de fans et je veux leur donner tout ce que j’ai. J’ai besoin de personnes dans ma vie qui comprennent cela maintenant. Nous sommes de petits morceaux d’un grand monde et c’est ce qui doit être.

Un son qui te rend heureuse ?

Aurora imite un oiseau.

Une chanson qui te fait pleurer ?

La plupart des chansons d’Edith Piaf.

Une chanson qui te fait danser ?

You can call me Al de Paul Simon.

Une chanson qui te fait penser à chez toi ?

L’océan (elle fait le bruit de l’océan).

Une chanson qui te fait penser à ton enfance ?

Susan de Leonard Cohen.

Une chanson qui te fait tomber amoureuse ?

La plupart des chansons d’Edith Piaf également.

Interview by Alexandre and Joan

AURORA
Infections of a different kind – Step 1

 

BONUS !!!

AURORA : J’aime aller aux raves party, seule, sobre. Vous ne devriez jamais aller seul à une soirée rave et boire de l’alcool ! C’est un non-non. J’aime ça parce que j’écoute de la musique et que je danse jusqu’à 6 heures du matin, puis j’aime rentrer chez moi et méditer jusqu’au lendemain.

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Fictions en interview : on a parlé UFO, live et cinéma

Guillaume Leglise alias Fictions compose avec la même aisance au piano ou à la guitare. L’inspiration, il la trouve partout, en studio, à partir d”une sensation ou inspiré par un film. Il lui arrive de regarder un film avec sa guitare et réinventer la bande-originale.
Il cite volontiers Mizoguchi, sa façon de filmer, ses paysages animés.
Il a 17 morceaux en stock pour un album à venir. Mais il attend, car la scène le nourrit.
Son actu : l’EP UFO accompagné de ses remix et d’un second titre, A la lueur de l’eau.

INTERVIEW / FICTIONS

Fictions

UsofParis : Comment on se fait entendre au milieu de tous les autres artistes qui sortent des EP ?

Fictions : Bien s’entourer. L’idéal : avoir un label, une attachée de presse qui savent le défendre.
Au niveau artistique, faire quelque chose de contemporain, dans l’air du temps et en même temps personnel.

Tu te tortures pour maintenir cet équilibre ?

Je me torture moins qu’avant, je suis dans la spontanéité de ce que je veux faire.
Et je comprends à peu près ce que le public peut aimer et ne pas aimer, et ma place. Il ne faut pas calculer.
Ça fait 15 ans que je fais de la musique. J’ai eu plusieurs vies. Mon propre projet est mon espace de liberté. Je prends plus le temps.

Est-il possible qu’un remix révèle quelque chose d’inattendu, comme pour ton titre UFO ?

Ce qui est intéressant. Chaque remix a mis l’accent sur un arrangement particulier. L’un a mis la ligne de basse en avant, l’autre a ressorti la guitare alors qu’on l’entend très peu dans la version originale. Un autre a fait plus un travail sur la voix.
Les gens qui remixent sont d’autres producteurs. Ce que j’aime c’est partager la création avec des gens que j’aime.
Je fais presque tout tout seul, je produis très vite en studio.

A la lueur de l’eau, c’est une co-écriture ?

Oui. J’avais le refrain et j’étais bloqué sur les couplets. J’ai rencontré un duo d’amies, Aurélie Oziol et Agathe genieys. On a eu un gros coup de cœur. On a écrit à 3.

J’adore ce titre. Il me fait penser à Lescop.

C’est marrant ! J’ai eu l’idée de ce morceau, après mes concerts – je ne l’aurais pas fait si je n’avais pas fait de live.
J’avais envie d’un titre assez trippant. J’avais aussi vu Flavien Berger que j’aime beaucoup. Il a une façon particulière d’écrire ses chansons. Et on comprend mieux quand on le voit sur scène.
Je me suis inspiré de tout ça.
Je voulais quelque chose qui évoque les souvenirs, les rêves, la transparence, d’assez vaporeux.
Et j’aime Lescop, son premier album. Je suis inspiré comme lui par les années 80. Le côté enfant de la new wave.

Comment gères-tu le live ?

Fictions : J’essaie d’avoir un maximum de sensations avec le public, le chercher. On est deux en live, avec la bassiste, Clémence Lasme, qui a joué avec Moodoïd, Pyjama, Buvette…
On a des machines contrôlées, des synthés. Et surtout, je chante.
C’est le premier projet où je suis chanteur et non derrière une guitare.
Je travaille beaucoup pour le théâtre et je joue très souvent sur scène. Être avec les comédiens qui sont en connexion avec la salle, je les ai vus réagir. Et avec ces expériences, je ressens plus l’écoute du public. La musique c’est du contact, du lien.

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J’ai lu que tu étais un infatigable chercheur. Cherches-tu aussi des instruments ?

Je n’ai pas beaucoup de matériel. Mais à chaque fois, je suis dans un processus de désir avec chaque instrument. Je me renseigne, je vais regarder des vidéos…
Il peut se passer 3 ans entre le moment où je rêve de l’instrument et son achat.
Par exemple, j’ai racheté un Yamaha DX7, un synthé des années 80, l’un des premiers synthés digital grand public. T’en trouves à 200-300 e. Malgré le budget raisonnable, il m’a fallu du temps pour l’acheter. Il y a un besoin de certitude.
J’ai une guitare que j’adore d’un luthier japonais. J’ai mis 2 ans aussi l’acheter.
Ensuite, ils sont centraux dans ma production.

Le DX7 est présent dans ton EP UFO ?

Il est sur UFO, A la lueur de l’eau et aussi sur les prochains morceaux.
Il a ce grain digital et a une sortie 12 bits (une sortie un peu grossière) ce qui fait qu’il a une grosse patate.

Est-ce que tu composes en pensant à des images, des films ?

Pour le titre Riviera (dans le prochain EP), j’ai pensé au film La Piscine. Je pense souvent à une projection de moi dans un film pour que ça me donne des idées.
Fictions, c’est idée de raconter des personnages. Et concevoir chaque chanson comme un court-métrage.

Tu cites le film Sombre de Philippe Gandrieux comme un chef d’œuvre.

Je ne l’ai pas revu après sa sortie. Il y a des scènes qui m’ont marqué. La première avec le spectacle de clowns que l’on voit à travers les yeux des enfants. C’est fascinant !
Je viens de Brest, une ville sombre. Les images de Grandieux m’ont touché.

Qu’est-ce qu’elle a de plus que les autres la géniale chanteuse Victorine ?

Sa personnalité, sa liberté. Elle ne calcule pas comment elle va plaire, elle laisse aller sa fantaisie et sa poésie. Victorine met en avant ce qu’elle est. Je trouve que c’est plus authentique. Elle voit la scène comme un moment unique.
On avait des amis en commun. On s’est retrouvé au Pop’in. Nous avons travaillé sur une quinzaine de morceaux. Un album va sortir. J’adore sa poésie, son second degré. Elle a un humour immense.

Les artistes que tu aimes ?

J’aime Tirzah, c’est underground. Une sorte de néo trip-hop. Un côté assez brut. Elle a une belle voix assez soul.
Je réécoute des albums des années 90 comme Jean-Louis Murat et j’adore Julien Baer.

by Alexandre

Fictions

FICTIONS
Nouvel EP : UFO

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Roni Alter en interview : on a parlé compo & Be her child again

C’est avec le temps que Roni Alter a compris pourquoi elle avait quitté Israël pour Paris. C’était sans doute pour se prouver qu’elle était capable de réussir toute seule, ses parents étant connus là-bas.
Paris lui a donné l’inspiration d’écrire. Et elle est heureuse de ne pas être tout à fait à l’aise dans cette ville, “parce que ce n’est pas encore ma maison, je suis toujours un peu immigrante.” Elle aime devoir se battre pour exister, pour que les choses arrivent.
Elle a fait équipe avec le réalisateur Clément Ducol pour donner corps à son nouvel album Be her child again

INTERVIEW / RONI ALTER 

Roni Alter
selfie exclu pour UsofParis

UsofParis : Etre une révélation en France, ça donne des ailes ?

Roni Alter : Je suis honorée, ce qui est un peu par rapport à ce que je ressens.Je suis surprise et excitée.

Qui écoute en premier tes nouvelles chansons ?

Normalement : mon copain et mon père.
Quand je finis les maquettes chez moi, j’appelle mon copain et je lui demande d’arriver dans les dix minutes pour écouter.
En fait, j’ai besoin que quelqu’un écoute et valide très vite ce que j’ai fait.
Et après, je l’envoie à mon père et s’il ne répond dans les 2 minutes, je l’appelle pour lui demander s’il a bien reçu mon mail… 🙂

Mais ils ne sont pas objectifs ?

Si ils le sont !
Mon père est musicien, je sais qu’il est fan de ce que je fais.
Mais je sais quand une chanson est bonne. Je n’ai pas besoin de leur approbation.
Quand on fait quelque chose d’artistique, ce n’est jamais fini tant qu’une personne n’a pas vu, entendu…

Quand sais-tu que la chanson est bonne ? Et que tu peux t’arrêter ?

S’arrêter est toujours difficile pour un musicien. Mais c’est pareil pour l’art en général, on peut continuer éternellement. Mais quand j’écris une chanson, je suis très perfectionniste et je sais quand une phrase n’est pas bonne ou quand une mélodie n’est pas parfaite.
Je travaille jusqu’à ce que ce soit sincèrement bon.
L’écriture, on sait quand c’est abouti. Pour une mélodie, ça peut être infini.
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J’aime beaucoup Devil’s calling. Comment l’as-tu composée ? 

Roni Alter : J’ai eu de la chance pour cette chanson. C’était comme un monologue qui était en moi et qui devait sortir. J’ai écrit mélodie et paroles en même temps, d’un seul jet.
J’ai pris ma guitare et j’ai écrit toute la chanson.
C’est arrivé aussi avec la dernière chanson de l’album, Be her child again. 

As-tu l’impression d’être guidée quand tu écris ?

Je ne suis pas croyante. Mais quand de telles choses arrivent, je pense que peut-être il y a quelqu’un au-dessus.
C’était quelque chose qui était en moi depuis longtemps. Je voulais parler de ce thème mais je ne savais pas comment.
Habituellement, j’écris la musique et ensuite les paroles.
C’est l’émotion que j’ai eue avec ce garçon, Devil.

C’est un flash back, c’est comme s’il m’appelait du passé.

J’aime beaucoup Stubborn. Y’a-t-il un secret de fabrication.

C’est un des titres les plus pop. Parfois, j’aime bien sortir de moi et faire des choses plus énergétiques. C’est une chanson que j’ai écrite pendant l’enregistrement de l’album.

J’étais énervée quand je l’ai écrite. Et ce que qui arrive quand je le suis.

Tu deviens pop ?

Oui, quand je suis contrariée, je deviens une chanteuse pop. 🙂

Tout l’album a été écrit à Paris ?

Une partie, le reste en France.
Roads with no name, je l’ai écrit sur la route, quand je partais en Italie dans la voiture.
J’aime regarder le paysage et les idées arrivent.
Chaque fois que j’écris une chanson, je me dis que c’est une histoire magique.
Ça arrive de nulle part. Il faut être disponible sur le moment.
Je ne suis pas capable de m’asseoir et de me dire : il faut écrire maintenant. C’est quand la musique qui arrive qu’il faut la saisir.
Parfois, jouer des chansons d’autres artistes, ça peut m’aider à faire venir des idées.
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J’ai pensé que tu voulais révéler que ton côté bad girl en faisant la reprise de PNL.

C’est le contraire en fait ! Pour moi, c’est une chanson qui est une ballade classique.
Je l’ai jouée sans penser à en faire une reprise.
Au début, c’est la musique qui m’a interpellée. Parce que je n’ai pas compris toutes les paroles. Je sais que des Français ont du mal aussi. 🙂 Alors pour moi c’était encore plus difficile. J’ai demandé de l’aide pour m’aider à comprendre.
J’étais dans l’ivresse chez moi quand je l’ai entendue. Et je ne savais pas qui c”était.

La Roni de 7-8 ans est-elle heureuse de la Roni que tu es maintenant ?

Je pense que oui. Je suis allée au-delà de mes rêves. C’était évident dès mon plus jeune âge que je serai chanteuse, musicienne. Ce n’était pas un choix.
J’ai écouté ce qui était en moi. J’ai suivi ma passion.

Donc pas de dépression possible ! Tu as toujours la musique avec toi. 😉 

La musique peut aussi m’aider à être encore plus déprimée. J’écoute la musique pas forcément pour être plus heureuse. Je peux en écouter pour être encore plus triste.
J’aime aller dans les extrêmes. Je ne veux pas être heureuse en continu.

La chanson la plus génialement “déprimante” du moment ?

Ça change tout le temps car j’écoute beaucoup de nouvelles chansons.
Ce serait Habibi de Tamino. C’est une chanson folle.

Est-ce que Keren Ann t’as conseillée ?

Quand j’ai écrit mon deuxième album, en 2014, je lui ai transmis toutes mes maquettes pour avoir son avis. Je suis fan, je l’ai été avant que nous soyons amies.
Elle m’a permis de rencontrer des professionnels.
J’ai joué avec elle sur scène. Elle m’inspire.
Elle m’a donné le sentiment que ce que je faisais était bien. Et que je pouvais tout faire toute seule. Elle m’a apporté de la confiance, la confiance de ne pas arrêter.

Si tu pouvais changer le monde, que ferais-tu ?

Je mettrais des femmes à la tête de chaque pays : présidentes, premières ministres…
Ça stopperait la folie ! Elles ne sont pas violentes dans leur nature.
La violence me dérange énormément, pour tout.

Tes petites adresses parisiennes ?

Mon café disquaire de quartier : Comets.
Mon restaurant préféré à Paris : Balagan, rue d’Alger dans le 1er. Étant végétarienne, c’est parfait !

Dernier coup de cœur musical ?

J’essaie d’écouter plus d’artistes français pour m’ouvrir.
Pierre Lapointe est l’un de mes préférés. Il est génial ! J’ai fait une de ses premières parties.
Et j’aime le dernier album de Barbara Carlotti, Magnétique.
Le dernier Paul McCartney est brillant. Chaque fois qu’il sort un nouvel album, je le trouve incroyable. Je continue à l’écouter et aller le voir en concert.
Interview by Alexandre 
Roni Alter

Roni Alter

nouvel album Be her child again 
(Warner Music)
sortie le 8 février 2019

Concert le 18 décembre 2019 au Café de la Danse, Paris 

 

#CONCOURS

Nous aimons, nous partageons ! 
Nous vous faisons gagner des CD de Be her child again de Roni Alter. 

Pour participer, remplissez le formulaire en-dessous et n’hésitez pas à nous dire ce que vous aimez dans l’interview de l’artiste.

Roni Alter
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Marvin Jouno sublime l’intime avec Sur Mars #interview

Marvin Jouno nous revient changé, bouleversé par la vie et bien décidé à partager ces récits d’explorateur de l’intime.
Sur Mars emporte avec son élégance folle, un song writing parfait et des compos entêtantes. 

INTERVIEW MARVIN JOUNO 

Marvin Jouno

UsofParis : Être aimé par des hommes, des femmes anonymes, est-ce facile à gérer ?

Marvin Jouno : C’est très perturbant. Il y a un côté magique de voir que tu touches des gens et de voir une communauté hyper-réactive. Ça me touche énormément.
Et je passe aussi beaucoup de temps avec des gens que je ne connais pas. Parfois, j’ai du mal à comprendre le principe d’autant que je suis quelqu’un de très solitaire. Je compte mes amis sur les doigts des deux mains. J’adore les tête-à-tête; j’adore voir les gens. On est dans un monde qui me propose une communication très différentes.
Je m’évertue à m’occuper de mes réseaux et à répondre à tous ceux qui m’écrivent.

Des échanges heureux ?

Oui ! Comme le groupe Facebook : Marvin Jouno et nous. Je ne sais pas pas si je peux dire que j’en suis fier. En tout cas, c’est une jolie communauté, menée par des gens que je trouve intelligents, cultivés.
Avec eux, parfois l’échange est stimulant intellectuellement.
J’ai besoin d’alliés de ce type. Il y a suffisamment de détracteurs comme ça. 🙂

Écrire, chanter, ça aide à vivre ? Ou au contraire, ça peut bouleverser la vie ?

Je suis partagé à nouveau. Je me suis vraiment réalisé artistiquement. Ça faisait des années que je me cherchais, ainsi que mon média. Et Intérieur Nuit a apporté beaucoup de choses et aussi pas mal bousculé. J’ai passé 3 ans assez mono-obsessionnel. Je ne pensais qu’à mon album. J’ai un peu oublié ma vie. Je me suis réfugié aussi, j’avais une bouée.
Et heureusement, j’avais un objectif et un but à atteindre avec ce deuxième album, vu ce qui m’arrivait sur le plan intime.
Parfois, je me dis que je n’ai pas choisi une voie simple. Je me livre beaucoup et je me soumets au jugement d’autrui en permanence. Alors que je déteste être jugé. 🙂

La musique, les tournées, ça peut fatiguer une relation amoureuse, une relation amicale ?

Sur le plan amical, vu que je travaille avec des amis, ça renforce. Il n’y a pas eu de tensions. Il y a un esprit très familial.
Après, sur le plan amoureux, est-ce que ça abîme ? Certainement !

Ce n’est plus un couple que tu formes mais un trio avec la musique.

Oui, ça prend beaucoup de place. C’est pour ça que ça fait 3 ans que je suis tout seul.
Je suis en couple avec mon disque. On va bientôt se séparer à priori. 🙂

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Quand a débuté l’écriture ?

Je n’ai pas composé pendant un an. Mais j’ai pris beaucoup de notes. Je vivais à droite à gauche, dans l’est parisien et j’étais toujours avec mon tél. J’écrivais par rapport à ce que je traversais sur le plan personnel. Mais je ne figeais pas ça sous forme de paroles. Au bout de 9 mois, 1 an, j’ai tout étalé sur mon ordi, en essayant de mettre dans des cases, les thématiques.
J’ai ciblé une quinzaine de textes que j’ai mis en forme. Mais j’attendais d’avoir la compo.

Très rapidement, il y avait trois figures féminines centrales au projet. Je n’avais que ça à raconter car c’était en train de me chambouler complètement. Trois espèces de figures de deuil aussi. Je voulais parler de ces trois femmes, c’était une obsession.

Qui sont-elles ?

J’ai mis fin à une très longue et belle histoire d’amour de 10 ans. J’ai cru un amour longue distance impossible. J’ai fini par perdre ma mère d’une longue maladie.
Le sol s’est dérobé sous mes pieds. C’était trois années particulières.
J’ai appelé l’album Sur Mars parce que j’avais l’impression d’être sur une autre planète.
L’impression d’être en terrain hostile, terrain inconnu, d’être mis à l’épreuve.

Clap de fin m’a vraiment accroché, un vrai titre pop.

Je voulais commencer par un clap de fin. Je reprends l’auditoire là où je l’ai quitté, à la fin du tournage du film. Je parle du retour après tournage, je n’ai pas du tout envie de rentrer.
C’était la chanson manifeste. Le nœud central des bouleversements à venir.
Je lutte souvent pour trouver la bonne composition pour le bon texte. Car je n’écris pas beaucoup. Je ne lâche pas le texte tant que je n’ai pas trouvé le bon décor, la bonne lumière.
Il y a une notion de transition avec Intérieur Nuit.

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Danse m’obsède totalement !

C’était une récréation. Sachant qu’en apparence, il est léger mais il n’est pas.
Mais je l’exprime dans un décor acidulé. Ça a été une soupape dans ma période de création. Pendant la tournée d’Intérieur Nuit, on a beaucoup dansé avec Agnès, après les concerts, en province. Comme j’ai composé ces titres, seul, en Bretagne, j’avais cette envie de sortir pour danser.
C’est un titre qui a redonner l’envie à toute l’équipe et aussi l’axe de l’album, un peu comme une DA (direction artistique).

Où es-tu allé chercher ces petits bouts sonores qui pimentent tes titres ?

J’ai été marqué par deux albums : Blond(e) de Frank Ocean et le deuxième album de Bon Iver. Ça évoquait pour moi le journal intime, le carnet de bord. Ce n’est que de la matière que j’ai prise avec mon téléphone : des messages qu’on m’a laissé, des choses enregistrées dans l’avion, dans la rue. Tout est vrai !
La seule exception, le début du titre On refait le monde.
Ça a un caractère hyper cinématographique : le sample de voix, l’échantillon. C’est comme si Sur Mars était un film sans image.

Le final de Danse ?

Je suis sur le balcon d’Agnès, en train de fumer. Et un homme passe en bas de chez elle, avec un caddie et une sono. On ne savait pas ce qu’il chantait, ce qu’il hurlait. A priori, c’était “Je t’aime, mon amour“. Je voulais le mettre en épilogue de Danse, quelque chose de libérateur, d’un fou, d’un peu alcoolisé.

Les bidouillages vocaux viennent de ce que tu écoutes ?

J’ai beaucoup écouté de hip-hop trap music. Je trouve que c’est un témoignage de l’époque.
Je voulais que mon disque soit daté. Que dans 20 ans, on puisse dire Sur Mars est sorti en 2019 ! Quitte à ce que ça vieillisse mal. C’est un instantané de ces 3 années de ma vie. Et c’est un choix esthétique qui m’a ouvert plein de perspectives. Parfois, je fais juste des vocalises et on a la sensation que c’est un instrument alors que c’est ma voix.

Marvin Jouno

Agnès Imbault qu’a-t-elle apporté à l’album  ?

C’est la personne courageuse qui est venue me voir dans ma retraite. Elle est venue me voir 4 fois, en Bretagne, pendant 1 an.
Je compose toujours dans mon coin, Agnès arrive. Avec son grand bagage, elle améliore les accords, propose d’autres choses. C’est une partie de ping pong et une co-composition sur la plupart des titres.
Et après, on apporte notre matière à Angelo qui va réaliser.

La scène te manque ?

Oui, ça me brûle ! 🙂
J’ai commencé la scène en ultra novice. A ne pas savoir où prendre le plaisir et quel était mon personnage. Je me suis révélé au fur et à mesure.
C’est certainement l’endroit sur terre où je m’épanouis le plus.
J’ai hâte de reprendre. Comme si j’avais fait ce disque pour refaire de la scène. J’ai de grandes ambitions pour ce live.

Si tu pouvais réformer le monde, que ferais-tu ?

Je travaille sur le clip d’On refait le monde. Et je piétine encore car je n’ai pas la réponse. Ce “on” général c’est comme si je n’en faisais pas partie. Je fais partie d’une génération déjà compromise. Je mise tous mes espoirs sur la jeunesse. J’espère qu’ils auront la réponse.
C’est une chanson avec beaucoup de questions.
J’aimerais avoir la réponse, mais je suis parti sur Mars. 😉

Interview by Alexandre

Marvin JOUNO
nouvel album : Sur Mars
(Un plan simple / Sony Music)

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Ornette sort Sometimes I Feel – interview d’une grande sentimentale

Ornette a commencé comme musicienne en accompagnant sur scène Micky Green, Arthur H ou encore Alain Bashung. Après son premier disque Crazy et la chanson éponyme qui est encore sur toutes les lèvres, Ornette a proposé plusieurs projets comme un album de jazz autour de Nino Ferrer et deux EP’s.
La trilogie prend fin avec la sortie de Sometimes I Feel et du très beau clip qui l’accompagne.

Rencontre avec une artiste peu conventionnelle, qui se sert d’Internet depuis bientôt 10 ans pour nous faire découvrir son univers musical.

Ornette
Selfie original pur US of Paris

INTERVIEW 

USOFPARIS : Ton premier disque est sorti en 2011, que s’est-il passé pour toi depuis ?

ORNETTE : Début 2012, il y a eu l’EP Crazy Friends. J’étais en tournée jusqu’en 2013. Comme on ne pouvait pas tout de suite enchaîner avec un album, je proposais tous les mois une chanson en téléchargement gratuit (Ornette’s 13). J’ai mon studio, j’ai toujours été très indépendante. C’est très frustrant pour les artistes, les auteurs-compositeurs, car le temps de production est très long. J’avais besoin d’un peu de légèreté, ça me permettait de proposer des choses. Internet m’amuse beaucoup, cela permet d’avoir une liberté.
 Mon label a fait faillite. Il a été racheté plusieurs fois, donc c’était compliqué d’avoir les équipes et de rencontrer les gens pour travailler sur un projet. Ça ralentit beaucoup le processus.

Internet est devenu une belle plateforme d’expression pour toi. Tu as proposé pas mal de choses, depuis la sortie de Crazy.

La période en label a été très intense, l’album a très bien marché. Le rachat du label a tout changé pour moi. Ça a ralenti pas mal de choses. Par rapport à un système normal, j’aurais dû sortir un album 1 an et demi, 2 ans après le premier. J’ai sorti des EP’s, et des titres sur le web. Comme c’était pas conventionnel, même si j’ai eu des attachés de presse, les radios ne rentrent pas un titre d’une artiste indépendante comme ça.
L’avantage de la situation c’est que chez Discograph (son ancien label), j’étais déjà une artiste digitale, donc y’a des alertes et le public a les moyens de savoir. Les gens des bureaux ne savent pas que tu existes, mais les gens de la vie, qui aiment bien un artiste, suivent sur Spotify, Facebook… et, du coup, ils ont les actu. Pour l’anecdote, mes premiers concerts en 2010 étaient tous retransmis en streaming en direct. Internet m’a toujours amusée. J’ai sorti un clip à 360 degrés l’année dernière. Ça m’amuse d’aller chercher le plus loin possible où on peut aller. Des fois, on réussit. Des fois, on ne réussit pas. Mais au moins ça avance et on essaie. Internet est un grand terrain de jeu.

Ornette

C’est pas frustrant ?

Oui et non. Oui parce que clairement pour être un peu matérielle, si je vendais plus de disques, j’aurais plus de concerts. En même temps, ce dynamisme est unique, il n’est pas acheté. Il est invisible mais il est réel. Le paradoxe c’est que le remix de Crazy est à je ne sais plus combien de millions de stream (plus de 15 millions) et je n’ai jamais eu un article de presse dessus. Y’a jamais rien eu qui a été fait. Le label ne voulait même pas le sortir. En revanche, la réponse du public a été directe. C’est une frustration mais le retour est énorme, il ne faut pas le négliger. Je préfère des vrais gens qui écoutent vraiment, qu’un coup monté par de l’argent. C’est mon côté artiste. Le jour où il n’y aura plus personne pour écouter, je serais plus triste.

Tu as sorti un album de jazz également ?

Oui, j’ai sorti un album avec le jazzman Denis Colin autour de Nino Ferrer. C’est très différent de ce que je fais d’habitude. Mais j’ai eu une carrière dans le jazz avant Ornette. A la base, je suis pianiste. Mon premier groupe c’était un piano préparé avec de la musique improvisée. D’ailleurs, c’est pour cela que j’ai choisi Ornette comme nom de chanteuse, pour Ornette Coleman.

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Tu as commencé comme musicienne, chanteuse c’est arrivé comment ?

Mon premier concert c’était à la Flèche d’Or. Ils voulaient quelqu’un à l’ouverture des portes qui chante pour la première partie. On m’avait dit : “T’inquiète y’aura personne.” J’ai dit oui, et effectivement y’avait mon père, ma mère et 3 potes. C’était très chouette et c’est là que j’ai eu mon déclic. Je ne voulais pas être chanteuse à la base. J’ai fait le conservatoire, j’avais zéro en chant. J’étais instrumentiste et c’est tout. C’était déjà beaucoup j’ai envie de dire. Ce soir-là sur scène en chantant pendant 25 minutes dans une salle vide je suis descendue de scène en me disant « Y’a quelque chose là ! Tu pourras pas faire marche arrière. » Ça a commencé comme ça.

Tu continues de jouer avec Internet aujourd’hui, pour teaser la sortie de ton nouvel EP tu as posté sur Instagram des photos de toi en combi doré intégrale dans Paris. C’est lié au clip du titre Sometimes I Feel.

ORNETTE : Le titre est une chanson très sombre. C’est une chanson de rupture, très sentimentale. Je suis une grande sentimentale, une grande romantique. On est à l’époque Tinder donc forcément ça clash quand on est plutôt sentiments et que tout le monde est Tinder. On est dans un anachronisme. J’avais envie d’exprimer ça. Roland Barthes disait qu’on entre dans une époque où c’est plus difficile de dire je t’aime, on s’affranchit plus facilement. On parle beaucoup de sexe, mais on oublie les sentiments. C’est mon manifeste de : « Et les sentiments alors ? », c’est ma chanson d’amour. Un chanson d’amour entre un piano magique et cette créature de l’espace.

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Le clip est très beau, avec ce piano magnifique. Peux-tu m’en dire plus ?

Je voulais quelque chose de très frais. Quand on est amoureux et qu’on est dans une rupture on voit les choses comme ça. On a aucune visibilité sur ce qui arrive après, on ne voit plus rien. C’est un clip de gros plan. On rentre dans le piano, on le découvre. J’avais une référence très forte qui est celle de Christine de John Carpenter, cette voiture infernale. Le trailer de ce film est magnifique. Il y a cette voiture filmée en gros plan, de façon très très sensuelle et on découvre à la fin que c’est la voiture. La voiture est le deuxième protagoniste du film. Moi c’est mon piano !

Après ce troisième EP, un album se prépare ?

Cet été, j’ai enregistré 48 minutes de musique. Tout reste à savoir si je les sors en album, en EP’s successifs. Mais c’est vrai que ce maxi ferme une petite page.

A quoi peut-on s’attendre pour les prochains morceaux ?

Il y a pas mal d’arrangements de cordes. Il y a du français aussi. J’avais envie de français. Paradoxalement, lorsque j’écris en français je suis à l’autre bout du monde. J’ai écris ces textes en Colombie, à l’Ile Maurice. Lorsque je parle une autre langue, j’ai envie de français. On m’a souvent demandé pourquoi je ne chantais pas en français. Je viens d’une famille multilingue. On parle français dans la rue et italien à la maison, ma grand-mère parle allemand. L’anglais à Paris est une façon de rester neutre parce que sinon après c’est la guerre des parents.
Il y aura des chansons d’amour. Beaucoup d’arrangements de cordes, des cuivres. J’ai envie d’être organique d’un côté et de le mélanger à l’électronique que j’ai gardé. J’ai essayé de m’accorder des libertés de structures.

Ce personnage de créature de l’espace va-t-il perdurer ?

J’aimerais bien. Au début, c’était juste pour le clip. Et le fait de l’avoir fait vivre dans la rue m’a donné envie de faire mes concerts avec. Sans la cagoule car ce serait compliqué. Ce serait chouette. Faut tellement lâcher prise sur sa pudeur personnelle. C’est tellement too much qu’on lâche prise et c’est intéressant.

Ton duo de rêve ?

ORNETTE : Je suis tombée complètement amoureuse de Warhaus et sa chanson Love is a stranger, le chanteur de Balthazar. Mais il chante déjà avec une fille, donc je suis HYPER jalouse.
J’adore Arno. Ornette et Arno, ce serait pas mal, non ?

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Il ya quelques années, un média t’avait déjà posé la question et tu avais répondu Jay-Z

Ah oui ? Tu vois maintenant moyen quoi ! Mais c’est vrai que j’aime beaucoup les mélanges, les rencontres entre voix très rocailleuses et voix claires.

Ton dernier coup de cœur musical ?

Love is a stranger de Warhaus. 

Ton dernier coup de cœur cinématographique ?

Cold War.

La chanson que tu aurais aimé avoir écrite ?

In a cold cold night de The White Stripes. 

Interview by Joan

Ornette

Ornette
EP Sometimes I Feel

(Music of the Century)

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TOTEM : Virginie Canovas dévoile les coulisses du Cirque du Soleil

Totem, le spectacle du Cirque du Soleil actuellement à Paris, nous a tellement passionné que nous avons voulu en savoir plus.
Avoir le regard d’un des artistes qui performent chaque soir pour éblouir le public. Et c’est Virginie Canovas qui nous dévoile les coulisses de cette production mise en scène par Robert Lepage. L’artiste est capable de voltiges aériennes absolument spectaculaire en compagnie de ses deux partenaires. 
Totem est prolongé jusqu’au 30 décembre. 

Virginie Canovas
Photo Johan Persson © Cirque du Soleil Inc


INTERVIEW / Virginie Canovas 

UsofParis : Comment décririez-vous Totem en quelques mots ? Et votre personnage ?

Virginie Canovas : Totem retrace l’évolution de l’espèce humaine dans différentes ères du temps. Mon personnage est une déesse bollywoodienne inspirée des pin-ups des années 50. Elle arrive à la plage et rentre dans un jeu de séduction et de compétition dans les airs avec les deux autres garçons. Nous exécutons un trio d’anneaux aériens qui demande beaucoup de force, de souplesse et de contrôle.

Qu’est-ce que ce Totem a de plus que les autres créations du Cirque du Soleil ?

Je dirais que la particularité de Totem est dans les projections sur la scène qui rajoutent vraiment une autre dimension au visuel. Elles nous transportent encore plus dans l’histoire.

Virginie Canovas
Photo © Cirque du Soleil Inc

Depuis combien de temps faites-vous partie de ce spectacle ? Combien de jours, de mois de  répétitions ont-ils été nécessaires ?

J’ai commencé mon aventure sur Totem en août 2017 avant cela j’étais sur le spectacle Amaluna et Saltimbanco.
J’ai passé 6 semaines aux studios d’entraînement de Montréal pour apprendre le rôle où je m’entraînais tous les jours . Puis, j’ai eu 3 semaines d’intégration une fois que je suis arrivée sur la tournée avec 3 à 4 entraînements par semaine sur scène.

La plus belle émotion vécue avec le Cirque du Soleil ?

Difficile d’en sélectionner une après 10 ans d’aventures avec Le Cirque du Soleil. Mais je dirais que la première fois que nous avons présenté Amaluna devant un public à Montréal, c’était tellement intense… Faire partie de la création d’un spectacle est une expérience extraordinaire.

Virginie Canovas
Photo @ United States of Paris

On donne tout ce qu ‘on a pour créer le meilleur spectacle possible, on y met beaucoup de nos idées artistiques et acrobatiques. Et l’expérience humaine acquise tout au long est juste magique et unique.
Alors la première fois qu’on présente le fruit de 6 mois de travail collectif, c’est comme si un rêve devenait enfin réalité ! Et le sentiment de fierté et d’accomplissement personnel est tellement fort que les mots sont durs à trouver pour décrire les émotions.

Le plus beau pays visité grâce au Cirque du Soleil ? Pourquoi ?

Virginie Canovas : Avec Le Cirque du Soleil, j’ai tourné aux Etats-unis, Canada et en Europe. Je dirais que l’Italie est au top de ma liste : les paysages, la culture, la gastronomie italienne, les gens…
Tout est simplement beau, bon et chaleureux là-bas. Le Lac de Côme est définitivement mon endroit préféré en Italie.

Virginie Canovas
Photo Johan Persson © Cirque du Soleil Inc

Votre astuce pour supporter au mieux un décalage horaire ?

Haha, le décalage horaire ? bonne question !
Je voyage beaucoup, de l’Europe jusqu’à Las Vegas où j’habite maintenant. Donc ce sont des longs voyages de 11h à 15h, voire plus des fois. Alors je dirai que dormir dans l’avion est une bonne première option. Une fois arrivé à destination, un bon repas sain pour reprendre de la bonne énergie. Et beaucoup d’eau car on est très déshydraté après un voyage en avion dû à l’air pressurisé qui est plus sec que la normale.
Et dernière astuce se coucher à une heure raisonnable. Rester allongé même si le sommeil ne vient pas ou plus, au moins le corps se repose.

Virginie Canovas
Photo © United States of Paris

Un conseil pour garder votre énergie chaque soir ?

Tout est dans la tête pour moi, c’est elle qui décide de l’énergie qu’on a ou qu’on veut projeter. Je me parle intérieurement de façon positive, je m’encourage, je me rassure… cela me donne confiance, canalise mon énergie et me rend forte d’une certaine façon.
Avant d’entrer sur scène, je fais des exercices de respiration qui m’aident à trouver mon équilibre, cela me calme et me booste en même temps.

 Une anecdote personnelle ou professionnelle avec Paris ?

Paris est toujours une ville intense pour moi car ma famille peut venir me voir et pour certains d’entre eux c’est la première fois qu’ils voient un spectacle du Cirque du Soleil.
Je suis heureuse et fière de pouvoir leur faire vivre un bout de ma vie et de pouvoir les serrer dans mes bras après le spectacle.
C’est la plus belle des récompenses.

Le plus beau témoignage d’un spectateur que vous ayez reçu après un spectacle ?

Lorsqu’un spectateur me dit qu’il a vécu un moment unique, qu’il n’a pas vu le temps passer et qu’il ne voulait pas que ça s’arrête, je me dis : “mission accomplie, la magie du cirque a marché !

Interview by Alexandre 

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Virginie Canovas est à l’affiche de Totem du Cirque du Soleil

jusqu’au 30 décembre 2018

du mardi au samedi à 20h
matinée le samedi à 16h30
le dimanche à 13h30 et 17h 

Parc de Bagatelle
Bois de Boulogne
Route de Sèvres
75016 Paris

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Bastian Baker en interview : on a parlé nouvel album, Nashville & tournée mondiale

Bastian Baker a fait une halte à Paris pour la promo de son 4e album. En pleine tournée mondiale en première partie de Shania Twain, le chanteur suisse assure aussi bien en sourires qu’anecdotes autour de ses nouveaux titres dont certains ont été conçus à Nashville avec un célèbre producteur américain.
L’ancien hockeyeur n’a pas fini de surprendre.
Il sera en concert le 18 mars 2019 à la Maroquinerie. 

INTERVIEW 

Bastian Baker

USP : Où a été écrite Stay ? Quelle est l’histoire de cette chanson ?

Bastian Baker : Stay, c’est une chanson qui m’a pris le plus de temps à écrire de ma vie. Elle m’a pris trois ans.

Quand même !

Parce que ce n’était pas Stay quand j’ai commencé à l’écrire.
J’étais dans les rues de Melbourne. J’écris souvent des mélodies en me baladant, en marchant. J’ai des mélodies qui me viennent en tête et je les enregistre sur dictaphone. J’avais commencé avec “nana ni na na nana…“. Et j’ai un bout de texte qui a germé et il resté dans mon téléphone. Puis j’ai terminé la chanson l’année dernière à New York avec Vlad Holiday.

Je suis arrivé chez lui en studio le matin et lui ai dit : « j’ai ce truc que j’ai fait il y a trois ans à Melbourne ». Je lui ai chanté et il a trouvé que c’était vraiment cool. Du coup, on a commencé à bosser sur ça. Dans le couplet, ça parlait justement de ce côté de la balade dans la ville avec les lumières, un côté un peu vide que tu peux ressentir dans certaines villes.

C’est une chanson qui a voyagé de Melbourne à New York ! 

Du coup, on a on s’est inspiré de ma soirée que je venais de passer à New York. Et un peu de ce côté très éphémère de la vie de tournée, du fait que parfois t’aimerais bien rester un peu plus longtemps.
C’est comme ça que Stay est née.

Au fur et à mesure qu’on l’écrivait, j’enregistrais. Ça se passait super bien, je faisais une prise et puis on doublait. Finalement quand on est retourné en studio quelques mois plus tard pour essayer une version plus pro, ça ne sonnait pas mieux. Du coup, on a gardé les premières prises parce qu’il y a un côté assez nonchalant que j’ai rarement. C’est ça qui la rend un peu différente.

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Tu rentres de tournée avec Shania Twain. Que retiens-tu de ces dates aux States ?

Il n’y a pas forcément de leçon à retenir parce que je n’ai pas l’impression d’avoir découvert quelque chose de forcément nouveau. J’ai quand même beaucoup tourné. Mais c’est vrai que là c’est d’autres dimensions. C’est une centaine de personnes sur la tournée. C’est dans le top 5 des plus grandes tournées de l’année avec Timberlake, Taylor Swift, Beyoncé, Jay-Z et Def Leppard. Et pour Shania Twain, c’est pour une tournée come back. Tu te rends compte de la légende que c’est. Je pense que ce que j’ai le plus appris avec elle c’est vraiment la relation aux fans. Elle prend le temps de faire monter des gens sur scène, de discuter même, malgré le fait que c’est une grosse production. Parce que pour des plus petits concerts c’est assez commun d’avoir des gens sur scène.

Surtout que c’est hyper millimétré les shows américains !

Super millimétré ! C’est vraiment à la seconde. Mais elle arrive à rendre ça quand même spontané. Je pense que c’est un objectif quand tu fais une tournée pareille : arriver à avoir ce côté millimétré mais en même temps le facteur humain qui reste hyper présent.

Et donc tu vas intégrer ça dans ta tournée ?

Oui ! Il y a beaucoup de choses que Shania Twain fait sur sa tournée dont je vais m’inspirer quand même.
Mais dans chaque concert que je vais voir, je suis le mec dans le public qui est plutôt les bras croisés en train de regarder ce qu’il se passe. J’ai découvert plein de trucs. Et parfois des trucs super simples. Je me souviens avoir vu Green Day au Montreux Jazz Festival. Les mecs faisaient des sauts… ils décollaient !
Mais ce n’est pas possible qu’ils sautent aussi haut. En fait, derrière leurs retours, ils cachaient des petits mini-trampolines. Ils sautaient dessus.
Du coup, ça donne une élévation. J’ai fait ça sur toutes mes tournées. Et chaque fois que des gens voient des photos de moi en train de sauter, ils disent “Mais c’est un truc de fou ! Il faut que tu fasses l’athlétisme !

Qu’est-ce qu’il reste du hockeyeur en toi ? Que retiens-tu de ta pratique hockey pour ta carrière musicale ?

Bastian Baker : Bien sûr ! Je pense que c’est même une partie hyper importante. Il me reste la discipline et la motivation et aussi l’esprit de camaraderie. Ce côté très bon gars que le hockey a finalement. Et puis une notion de travail que tous les artistes n’ont pas forcément.
Se dire : “On sait ce qu’il faut pour arriver à tel ou tel succès et on va le faire“. J’ai encore des contacts avec pas mal de monde dans ce milieu, plein de potes qui jouent. Du coup, je vais vraiment voir les matchs avec plaisir.
C’était assez spécial pendant la tournée avec Shania parce que l’on jouait dans quasiment toutes les arénas de hockey et c’était assez génial pour moi. C’était un peu comme le parfait équilibre. 😉

Bastian Baker

Les critiques peuvent te blesser ?

Non absolument pas. Je pense que c’est probablement une de mes forces. Et même si quelqu’un de proche qui critique, ça ne me touchera pas forcément. Moi j’aime plutôt ce qui construit plutôt que ce qui détruit. Mais si c’est constructif, pourquoi pas… Après j’ai eu beaucoup de chance aussi, je pense que dans ma vie, j’ai lu trois commentaires négatifs sur Instagram. Je n’ai pas de haters, de fous furieux dont le but est de détruire ma vie. J’ai la chance de ne pas avoir tous ces côtés un peu négatifs que la musique véhicule parfois.

Pourquoi avoir sollicité Jacquire King pour cet album ? Qu’espéraitu qu’il t’apporte ?

Jacquire King estune légende. C’est un producteur vraiment reconnu. Il bosse avec des artistes que j’adore, j’admire et j’apprécie : King of Leon, James Bay, Of Monsters and Men. Il a bosé sur le prochain Shawn Mendes et aussi avec James Bay. Son album, surtout la section rythmique qu’il a mis en place, est un truc qui m’a beaucoup touché. D’ailleurs, c’est le même batteur que pour James Bay qui joue sur les trois titres que j’ai produit avec Jacquire King.
C’est aussi par Shania Twain que je l’ai rencontré. Après j’y avais été un peu au culot.

Comment ?

On a eu un rendez-vous un matin, j’ai pris ma guitare, je lui ai joué des titres et je lui ai dit “Je veux bosser avec toi !” Au début, on devait faire un titre. Finalement, il a vraiment bien aimé la vibe. On en a fait trois. Et puis, ça reste une expérience assez spéciale, assez unique.
Il y a beaucoup d’idées, de créativité, une manière de bosser vraiment très précises, bien à lui. Et donc c’était aussi la première fois que je me mettais un peu en recul. Parce que d’habitude, c’est moi qui produis.
Et ce qui totalement inhabituel pour moi : c’est de passer dix jours en studio pour enregistrer trois titres. En général, je passe dix jours en studio pour en enregistrer douze !

Quels titres avez-vous faits ensemble ?

Love on Fire, Down et Time. Je lui avais envoyé une sélection d’une soixantaine de chansons, et c’est les trois titres qu’il a sélectionnés. Ceux sur lesquels il a senti qu’il voulait bosser en fait.

Est-ce que Nashville a des vibes différentes d’une autre ville pour faire de la musique ? Ou c’est juste un décor avec des fantômes illustres ?

La vibe est un peu régie par la population. Il n’y a que des songwriters,des producteurs donc une sorte de centre de créativité absolument fou. Ici, n’importe quel mec avec qui tu vas bosser te dira qu’il a bossé sur Pink, Lady Gaga ou un truc de country qui marche.
C’est vrai qu’il y a vraiment un réservoir de talents assez fou qui te donne la possibilité, au quotidien, d’écrire des belles choses.
A Nashville, chaque jour, j’avais différentes cessions d’écriture. C’est génial parce que tu commences, tu ne sais pas où tu vas, tu trouves que c’est cool et finalement tu te perds. Tu arrives à la fin, tu as écrit une chanson et tu trouves que c’est la meilleure chanson que tu aies écrite de ta vie. T’es obligé sinon, ça ne sert à rien de l’écrire.
Tu peux le faire tous les jours si tu veux. Et c’est cette offre qui fait de Nashville la capitale de la musique.

Sinon, niveau personnel aussi, j’ai un de mes meilleurs potes qui joue au hockey dans cette ville : Roman Josi, un suisse. Il est le capitaine de l’équipe de Nashville. Du coup, mes journées se résument en : j’écris des chansons la journée, ensuite je vais voir un match de hockey. Je vais bouffer dans un bon restaurant et je vais boire des coups jusqu’à 3h du mat’. Et je recommence le lendemain. Donc c’est assez idéal. Mais faut pas rester trop longtemps. 😉

Quelle est la chanson la plus ambitieuse de l’album, celle qui a demandé le plus de travail, le plus d’arrangements ?

Down est clairement une chanson qui a nécessité beaucoup d’arrangements, où on s’est posé beaucoup de questions.
Un jour en studio, il y avait vraiment de gros doutes.
Finalement Down est la chanson préférée de chaque musicien à qui je fais écouter l’album. Dans les arrangements, dans la dynamique, il y a un truc qui séduit. 

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Quel est l’endroit le plus surprenant où a pu être composé ou écrite une chanson ? 

Bastian Baker : Un lieu qui sort de l’ordinaire, c’est pour la chanson Six. J’étais à l’aéroport de Miami, dans la salle d’attente. Et le vol a été décalé d’une demi-heure parce qu’un des pneus avait crevé. Et c’est dans cette demi-heure là que j’ai écrit le texte. C’était un rush. J’ai écrit Day one, day two, day three. Il y avait un côté très méthodique et d’angoisse. Si l’avion n’avait pas eu de problème, il n’y aurait pas eu de chanson ! 🙂

J’ai bien aimé aussi So Low. Quelle est son histoire ?

A la base de cette chanson, il y a la relation que j’ai eue il y a quelque temps avec une actrice qui était passablement plus âgée que moi. Et un peu mon opposé. C’est à dire que j’aime bien boire un coup, elle ne buvait pas. Je suis très actif, nature… elle aimait plutôt rester à la maison pour lire un livre. On était vraiment super différents. Mais il y avait quand même cette attirance du côté extrême de l’un et de l’autre. Et c’est comme ça que j’ai commencé à écrire les couplets : “I fell in love with you, stil don’t know why. We’re total opposite…” C’était basé sur de nombreuses parties de cette courte relation que j’ai eue. Ça n’a quand même pas marché à la fin. 😉

Est-ce que tu vas lui envoyer le titre ?

A chaque fois que j’ai écrit des chansons grâce à des relations, j’ai envoyé la chanson à la personne.

Et son retour ?

Ca fait six mois qu’on ne parle plus. 🙂
En l’occurrence, elle l’aime beaucoup mais elle a une autre chanson préférée : Light & easy. Elle adore cette chanson !

Interview by Alexandre 
Photos by Emmanuel 

Bastian Baker

Bastian Baker
nouvel album éponyme
(Roy Music / Phonag Records

Concert le 18 mars 2019 à La Maroquinerie, Paris 

site officiel : bastianbaker.com

 

#CONCOURS 

Des albums dédicacés de Bastian Baker sont à gagner ici !!

Pour jouer, il suffit de remplir le questionnaire en ligne.
Fingers crossed!

Concours Bastian Baker
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RADIO ELVIS en interview : on a parlé Ces garçons-là, tournée, New York…

Aussitôt terminé sa première tournée, Radio Elvis est reparti à l’écriture, renforcé par l’énergie du live et des plus de 250 concerts.
Le nouvel album Ces garçons-là est un écrin magnifique réunissant 11 titres virtuoses.
L’ensemble est porté par la poésie de Pierre Guénard et les compositions avec ses deux compagnons de route Manu Ralambo et Colin Russeil.
J’ai déjà le coeur accroché à New York, Prières perdues et La Sueurs et le sang

Interview Radio Elvis 

Radio Elvis
selfie exclu pour UsofParis

UsofParis : Que retenez-vous de la première tournée de Radio Elvis ?

Pierre Guénard : En 250 dates, on a appris à se connaître ! Colin, le batteur, et moi, on se connaissait déjà. On a fait le premier EP ensemble. Manu est arrivé sur la fin de l’enregistrement.
Dans un bus 9 places, ça crée des liens (ça peut aussi les défaire). D’ailleurs, ça a fait les deux. 😉
Au début, on n’avait pas les mêmes références, on s’est fait écouter des choses.
Et pour le deuxième album, on s’est rendu compte que l’on avait les mêmes envies, le même vocabulaire pour parler musique. C’est important d’avoir les mêmes mots pour parler d’un son.
C’est quand même très abstrait.
C’était ma première expérience de tournée, je découvrais tout. J’ai appris mon métier.

Vous avez fait de belles scènes ! 

Manu Ralambo : Le plus bel exemple : on jouait dans un joli théâtre de verdure au bord de la mer et le lendemain on se retrouvait dans une église à l’autre bout de la France.
Après la grande scène des Francos, on jouait quelques jours plus tard dans un champ, sur des tapis.
Pierre : On a fait une tournée de villages où on montait la scène tous les jours !
Ça nous appris à gérer notre stress et surtout à savoir ce qui était important sur scène. On a eu toutes les galères possibles en concert. Et en fait, on s’en sort toujours ! 🙂
Faire un mauvais concert, ce n’est pas possible ! Notre métier,  c’est de savoir gérer les imprévus.
Manu : On trépigne là. On a envie de retrouver la route.

Un groupe, c’est un peu un couple. Quel type de couple êtes-vous ? 

Pierre : On est un couple apaisé. Il y a eu des moments de tension même pendant la tournée. Il y a eu tout un automne compliqué entre nous. On galérait dans nos vies et aussi sur scène et on avait beaucoup de pression, avant la Cigale.
Nous avions 40 dates en trois mois. Et après la Cigale, ça nous a libérés. En fait, on est un couple organisé. Dans la gestion du groupe, chacun a vite trouvé sa place. Je m’occupe du RP, des médias, de l’image. Colin et Manu, plus de la partie technique. En plus, on trouve maintenant chacun notre place artistiquement, ce qui n’est pas forcément évident.

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J’ai eu l’impression d’une énergie live en écoutant certains titres.

Pierre : L’album dégage plus de live car nous avons appris à jouer ensemble. On s’est plus lâché sur ce disque. On joue mieux depuis le premier, on a de meilleurs instruments et ça compte. Et on a enregistré sur bande. Au final, on a plus confiance en nous.

Prières perdues est un titre très fort !

Manu : Pour ce titre et La sueur et le sang, on s’est dit faut qu’on les fasse de A à Z sans rien couper. Jouer live.
Pierre : C’est une prise totale. On a fait venir un pianiste exprès en studio, Nicolas Subrechicot (le pianiste de Lou Doillon). Il a enregistré aussi New York, plusieurs titres. On voulait jouer en live. Donc on devait être quatre.

Pierre : Quelques titres de l’album n’ont pas été écrits en tournée, mais les premières phrases ont été écrites pendant, comme 23 minutes.
J’ai repris des vieux carnets.
J’ai commencé à écrire en octobre 2017 et on a commencé à enregistré en mars 2018, en 10 jours. On a tout composé en 6 mois. Il fallait vraiment qu’on s’arrête. Et que l’on joue pour nous.
Il y avait une urgence à dire les choses, sans trop réfléchir, se laisser aller dans la spontanéité et dans la confiance.
C’est très laborieux l’écriture des textes pour moi. Je réécris beaucoup. J’ai parfois un carnet entier pour une seule chanson.

Quelle est l’origine de Prières perdues et Fini fini fini ?

Pierre : Ce sont deux textes qui sont apparus en même temps, le 13 novembre 2015, le jour des attentats et le jour d’enterrement de mon grand-père. Sur la route pour rejoindre le groupe après l’enterrement pour un concert, j’ai écrit Fini fini fini. Et le soir, on dînait ensemble et on apprenait les nouvelles. J’ai commencé à écrire Prières perdues dans la chambre.
C’était aussi l’anniversaire de ma soeur. C’était très éclaté émotionnellement.
Et la vie en France a vraiment changé à partir de ce jour-là.

Le titre New York a-t-il été écrit sur place ?

Pierre : La grille d’accord s’est faite en tournée. On écoutait pas mal Kevin Morby. Cette grille d’accord m’évoquait ce musicien.
On faisait une session de défrichage dans les Landes, au Manoir de Léon, en studio. C’est le premier titre que l’on a commencé à travailler avec Fini Fini Fini.
On était hyper enthousiastes. Mais j’ai mis un an à trouver les paroles.
Ça nous évoquait tous New York parce qu’il y avait ce piano à la Mickael Nyman.
Une atmosphère un peu briques, des films de Spike Jonze, Arcade Fire, MGMT.
L’ambition pour cette chanson était d’en faire notre Ultra Moderne Solitude à nous. On adore cette chanson de Souchon, elle est magnifique. Ça m’a d’ailleurs empêché d’écrire car je trouvais toujours moins bien que l’original.
Mathieu Lescop m’a aidé à écrire les refrains.

New York s’épuise, la musique ça épuise ?

Manu : Oui ! Je me souviens quand on s’est dit qu’on allait commencer à composer.  Se mettre au piano, à la guitare, puiser, chercher. C’est de l’énergie !
Pierre : C’est une charge mentale dense, quand on entre en studio. Ne rien oublier de ce qu’on s’est dit, de ce qu’on a projeté.
On avait pas mal pris de notes, Manu aussi.
Quand j’ai fini mes voix, j’ai cru que j’allais faire une dépression. Parce que la pression, les contraintes. On n’a pas de studio à vie.

Un accident heureux pour ce nouvel album ? 

Pierre : Le publison ! 🙂
Manu : On a enregistré dans un studio des années 90 où Noir Désir a enregistré l’album 666.667 Club. Il y avait une machine électro qui déconnait. Et notre ingé son s’est amusé avec “cette panne” pour faire des effets. Au final, il l’a mis quasiment partout.
Pierre : Ce qui est heureux aussi c’est que l’on a fait avec les éléments qu’il y avait sur place : le piano à queue, rhodes bass comme The Doors, ça a donné la direction première de l’album.
Denis Barthe, le batteur de Noir Désir, nous a prêté aussi le synthé Juno 106 avec tous les réglages de Des visages, des figures. J’étais subjugué.
Ça a participé à la magie de l’enregistrement.

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Quel homme êtes-vous ?

Manu : Depuis l’enfance, je n’y pense plus trop. 🙂
On me dit beaucoup : “tu as une part de féminité“. Et je m’en fous ! 🙂
Pierre : Je n’ai jamais été pris pour quelqu’un de viril. Je me suis fait souvent traité de PD – alors que je ne voyais pas en quoi c’était une insulte. Il se trouve que toutes les références que j’aime sont souvent très gayfriendly. Et je plais beaucoup aux homos en général. 😉
A une interview sur mes séries télé d’enfance, j’ai répondu Xena la guerrière, symbole pour les lesbiennes.
Parfois, je doute. Avec ma copine, on en rigole !
J’aime bien les mecs. J’aime les beaux hommes, comme les belles femmes.

Pour le clip de Ces garçons-là, j’ai demandé qu’on filme le cul du torero, car je trouvais les lignes magnifiques. Et ça ne fait pas de moi un homo.
Je fais attention à mon image, c’est un défaut. 🙂
Je suis un homme qui se cherche beaucoup capillairement et vestimentairement.

Interview by Alexandre 

Radio Elvis

Radio Elvis 
Ces garçons-là

(Pias / Le Label)

sortie le 9 novembre 2018 

Pias Nite Carte Blanche à Radio Elvis
le 15 novembre à La Maroquinerie, Paris.

Radio Elvis

Concert le 4 avril 2019 au Trianon, Paris 

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Charlie Winston en interview : on a parlé succès-échecs, engagement & Square 1

Après The Weekend, un premier single dansant, léger et pop sorti en juin dernier, Charlie Winston nous présente son quatrième album Square 1. 

Un disque plus profond qui aborde des sujets d’actualité mais aussi plus personnel.  On y retrouve des sons pop, folk, mais aussi de tabla, de kora, de marimba chers à l’artiste qui nous emporte instantanément dans son univers.
Joie, légèreté, mais aussi larmes d’émotions, les sentiments sont mélangés à la première écoute et c’est ce qu’on aime lorsqu’on écoute de la musique. De la bonne musique.
Entretien passionnant avec un passionné.

Selfie exclu pour USofParis

Interview-selfie Charlie Winston

USofParis : Quel est le sujet de la chanson Here I Am ?

Charlie Winston : C’est à propos des échecs et du succès. Comment le succès n’existe pas réellement sans échec. Le problème avec la réussite c’est que t’as peur d’échouer.

C’est quelque chose que tu as vécu ?

A certains niveaux oui, mais je pense que chacun d’entre nous l’a vécu. Ce n’est pas nécessairement à propos de moi, c’est à propos du monde. La façon dont il est conçu.
On vit dans un monde où l’on va à l’école dans laquelle on nous enseigne à être au plus haut niveau, à réussir. Si tu réussis tes examens, tu réussiras ta vie, mais ce n’est pas la réalité.
C’est vrai pour certaines professions mais ce n’est pas pour la vie. La vie ce n’est pas avoir réussi chaque jour. C’est comme sur Facebook, tout le monde y montre la plus belle partie de sa vie. Ils ne montrent pas les mauvais moments. On aime donner aux autres de fausses impressions.

Tu étais un élève doué ? 

Je n’ai pas vraiment réussi à l’école, je n’ai pas eu de bonnes notes là où je devais en avoir. J’étais lent, je faisais le clown. C’était ma façon d’aller contre ce système.
J’ai choisi d’être musicien. Même si c’était facile de l’être. Les choses sont devenues complexes et j’ai eu ce monde, cette machine construite autour de moi, j’ai eu beaucoup de conversations avec des gens qui sont dans l’attente de ce que tu dois faire ensuite. Et je continue de me battre contre ces attentes.
Maintenant, encore plus que jamais dans ma vie, je vois et je comprends que c’est très important d’échouer. Cet album pourrait être un échec dans les yeux du monde, mais pour moi ce n’en est pas un.

Pourquoi ?

Parce que chaque album que j’ai fait, c’est comme avoir une nouvelle famille, toutes les chansons sont mes enfants. Elles ne seront peut-être pas aussi populaires que d’autres chansons comme Like a hobo mais ça ne veut pas dire que c’est un échec pour moi. Parce que l’échec ce serait de vouloir les faire et de ne pas les enregistrer.

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Here I am est peut-être ta chanson la plus personnelle ?

Oui, je pense que c’est la plus personnelle de l’album. Ça raconte une histoire au sujet de ma vie, à propos de qui je suis. Mais je pense que beaucoup de personnes peuvent se sentir proches de ce sentiment. Ne pas être très bon à l’école, ce n’est pas unique. Nous avons tous ce problème, tu peux avoir 16 ans et te sentir en échec parce que tu as de mauvaises notes mais ce n’est pas comme si nous allions tous avoir des jobs très importants. Il n’y a pas assez de jobs comme ça.

Tu devais faire un break avant de réaliser cet album, tes plans ont changé, que s’est-il passé ?

J’avais prévu un voyage avec ma famille pour partir vivre au Malawi. Quelques jours avant j’ai eu un gros problème au dos et j’ai dû annuler le jour du départ. Je n’ai pas pu marcher pendant deux mois. C’était une période assez difficile pour ma famille.
La belle chose avec l’art c’est que quand tu en as besoin il vient à toi. C’est pourquoi c’est assez dur de trouver du bon art de nos jours. Les gens sont plutôt heureux, on a probablement la meilleure économie que l’humanité n’a jamais expérimenté. On a de la chaleur quand on en a besoin grâce à l’air conditionné, de l’eau fraîche, de la nourriture dans un frigo. Tout est plutôt cool et les gens continuent de se plaindre. L’art n’est pas vraiment nécessaire comme il a pu l’être après la seconde guerre mondiale quand on a eu tous ces extraordinaires groupes dont on parle encore aujourd’hui. L’art ça vient quand tu en as besoin et j’en ai eu besoin donc c’est revenu à moi.

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En juin, on a pu écouter The Weekend, une chanson catchy, pop. Je trouve que ce n’est pas très représentatif du reste de l’album. Pourquoi avoir choisi ce morceau comme premier single ?

Charlie Winston : J’ai eu cette conversation avec quelques fans, sur Facebook notamment. Je suis complètement à l’aise avec ce que tu dis. Ce que les gens ne voient pas – et c’est naturel – quand avec ma famille on a dû traverser ce moment difficile, ça a été si lourd qu’on avait vraiment envie de légèreté.
Quand tu vois tes enfants quand tu mets de la musique et qu’ils se mettent à danser, ils apportent cette légèreté dans tout. J’adore l’idée que danser c’est en quelque sorte une façon d’oublier.
C’est comme ça que la chanson est née. Cette chanson qui est très légère et lumineuse vient de quelque chose qui était beaucoup plus sombre, mais ce n’est pas expliqué et je ne voulais pas l’expliquer dans la chanson.
 Et après ça, il y a toujours les discussions avec le label. C’était la plus catchy, la plus radio friendly, ils pensaient que c’étaient le meilleur choix. Je voulais que ce soit Feeling stop en premier single, mais ils ont poussé fort, c’était presque une bataille 🙂

Charlie Winston

Contrairement à tes précédents albums, tu as travaillé avec une équipe sur Square 1. C’était difficile de lâcher prise ?

C’était génial ! C’est très représentatif de ma vie. J’ai lâché prise sur plein de choses. Je n’ai jamais mis de mots là-dessus. J’ai lâché prise sur le fait de penser à savoir où je vais. Je n’ai aucune idée d’où je vais. Ni si ma vie va aller quelque part, ailleurs.
Je suis rentré dans le studio, j’ai dit au groupe et à l’équipe que je voulais répéter pendant deux jours, juste jouer, pas enregistrer. A chaque fois que l’on jouait les morceaux du début à la fin, que ça s’arrêtait, quelqu’un me disait : « Qu’est-ce que tu veux faire ? » et je répondais « Je ne veux donner à personne la réponse »,

Un challenge ! 🙂 

C’est devenu difficile pour moi. Après deux jours sans donner de directions, j’ai dit qu’on n’enregistrerait pas pendant encore une semaine, qu’on allait improviser et voir ce qui allait sortir de tout cela. Ce n’est pas moi qui ai dit comment faire, c’est la musique qui nous a dit comment faire à chacun de nous. La musique est née d’après de la musique que j’ai designé . Après tout ça je n’ai pas eu besoin de dire quoi que ce soit, chacun savait à propos de quoi l’album était, où il allait et je pouvais aller cuisiner le lunch pour tout le monde je savais que ce serait la même organisation.
Je travaille avec de bonnes personnes, mes musiciens sont extraordinaires, mes ingénieurs sont des ingénieurs haut de gamme qui ont travaillé avec beaucoup d’artistes. Je n’avais pas besoin d’être là et de leur dire comment être meilleur, ils font tous ça depuis des années. A partir du moment où ils ont compris la vision/conception tout était cool.

Que cela signifie Square 1 ?

C’est une expression qui veut dire : revenir au début. C’est lié à l’échec et au succès comme je t’ai dit au début. Il faut avoir une bonne relation avec l’échec, parce que si tu veux apprendre le piano, à jouer au tennis, une langue ou n’importe quoi d’autre, tu dois échouer. Chaque fois que tu fais une erreur, tu t’améliores un peu plus parce que tu t’en rappelles.
Ce qui est difficile c’est d’appliquer ça dans ta vie, dans une société où on te dit qu’un échec c’est une mauvaise chose et une réussite c’est une bonne chose. Tout le monde adore me demander : “Comment le succès a été pour moi ?” Mais personne ne me pose de question sur mes échecs. Parfois, avoir du succès c’est avoir eu un énorme échec personnel. Tu travailles si dur pour arriver à ce point, tu y arrives et ensuite tu vas où ? Tu dois retourner en bas et recommencer d’une manière ou d’une autre.

C’est ce que tu as fait avec cet album ?

Oui ! Enfin non. Ce n’est pas ce que je fais avec cet album, j’essaie d’avoir une meilleure relation avec cette notion, cette idée.

Charlie Winston

Tu as plusieurs chansons à propos de sujets d’actualité, es-tu un artiste engagé ?

… Je n’aime pas vraiment le mot engagé… Je ne me qualifierai même pas de musicien. 🙂

Mais tu l’es !

Bien sûr, parce qu’on doit mettre des noms. Je me qualifie d’artiste, parce que je dois créer, je dois faire de l’art, exprimer quelque chose à travers les sens. C’est ce que je fais, je travaille les sens. Il arrive que ce soit plutôt en musique, mais je peins aussi, j’ai passé une partie de l’été à peindre.
Si tu me qualifies d’engagé c’est comme si les gens avaient l’impression que je réfléchis sérieusement à comment sauver le monde. Mais je m’en fiche ! Le monde est foutu, admettons-le, on est tous foutus. On est en train de créer notre propre cercueil en étouffant la Terre. Je suis un optimiste mais je n’ai pas d’illusions. L’Histoire nous démontre que les humains font des erreurs massives.
Mais je suis juste un gars !

Peux-tu me parler un peu de la chanson Airport, elle m’a beaucoup émue ?

Juste après mon deuxième album, j’ai acheté une maison à Londres, je jouais beaucoup au piano et j’ai commencé à écrire cette chanson, mais seulement la mélodie. Je la jouais beaucoup. Ma femme était enceinte et elle n’arrêtait pas de me dire :  « Il faut écrire cette chanson, il faut écrire cette chanson ! ». Puis j’ai complètement oublié cette mélodie.
En 2016, j’allais au studio tous les jours, j’y allais pour écrire, composer, trouver des idées et un matin j’ai dit : « Je vais écrire une chanson aujourd’hui et je ne partirais pas du studio avant qu’elle ne soit finie » et ma femme de me rappeler « Et cette chanson que tu avais l’habitude de jouer dans notre maison à Londres ? » J’ai pris un taxi, j’ai mis la radio BBC 4 et il y avait un programme à propos de la révolution libyenne. L’homme dans ce programme avait écrit un livre dans lequel il parlait du début de la révolution quand son père a dû quitter le pays. Il ne savait pas où son père était allé, il a commencé à le chercher. Le livre est à propos de son voyage et on lui a demandé de lire un extrait.
La première phrase qu’il a lu, je m’en rappelle, j’allais au studio et j’avais sa voix vraiment forte et il a dit : « My seat is bolted to the floor of the airport » et je me suis dit que c’était une si bonne phrase. Cette phrase dit tout ! Et j’ai beaucoup beaucoup été dans des aéroports, donc je connais ce sentiment.

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C’est lié à une autre expérience ? 

Oui avec les réfugiés quelques mois auparavant (voir le clip de Say Something), j’ai compris l’émotion en parlant avec eux, quand ils me montraient des photos de leurs maisons maintenant détruites. Tu ne sais pas vraiment si tu dois y retourner ou aller de l’avant. On a toujours ce moment dans les aéroports, même nous les Européens, on arrive à l’aéroport on a notre passeport, tout ce qu’il faut. Mais on n’est jamais certain de pouvoir partir car il y a des contrôles et on ne sait jamais ce qu’il peut arriver.
 C’est à propos de tout ça Airport, mais aussi à propos du sentiment d’être perdu.

Ton dernier concert ?

Massive Attack et Stanley Jordan, un grand joueur de guitare.

La chanson que tu aurais aimé avoir écrite ?

La chanson la plus moderne que j’aurais aimé avoir écrite est Human de Rag’n’Bone Man. Et une ancienne chanson ce serait It Ain’t Me Babe de Bob Dylan.

Es-tu toujours en contact avec Peter Gabriel ?

C’est marrant que tu me demandes ça ! Je viens juste de lui écrire un mail pour lui dire que ça faisait longtemps qu’on n’avait pas discuté. Mais je vois sa fille samedi, c’est une amie.

By Joan

Charlie Winston

Charlie Winston
nouvel album Square 1
(BMG)


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Zaza Fournier et Le Déluge : son conte pour adultes #interview

Zaza Fournier nous embarque dans un spectacle-musique original, déroutant et poétique.
Le Déluge n’est pas à prendre à la légère tant il nous révèle à nous-mêmes. Mais il ne doit pas ralentir pour autant nos ardeurs à retrouver la chanteuse encore plus joueuse que jamais et prête à embarquer le public pour expérience musicale intense.

Zaza Fournier
photo Raphael Neal

INTERVIEW

Quelle est l’origine de ce Déluge ?

Zaza Fournier : Ça a avoir avec un vrai petit déluge personnel.
Je lui ai laissé cours artistiquement lors d’une résidence. Je suis partie pour la première fois, seule, enfermée dans une maison proche du Bassin d’Arcachon. J’ai vu 2 personnes : la caissière du supermarché et le jeune mec qui vendait des huîtres qui rattrapait mon moral à deux mains.
Je m’autorisais des huîtres et du vin blanc à midi.
J’ai tout composé à la voix. Il y a eu un retour à la voix primaire, d’habitude je passais toujours par le vecteur d’un instrument.
Je me suis vraiment connectée à ma voix intime.

Le Déluge était présent dès les premiers jets ?

Bizarrement, tous les premiers jets sont restés. Il y a eu quelque chose de très évident dans l’écriture, ça ne m’était jamais arrivé.
La première chanson écrite est Pour que tu me voies, qui est la première chanson du spectacle.

Le fond est très concret, une chose que l’on a traversée, notre rapport au couple, à la fidélité, au désir. En revanche, j’ai vraiment écrit un conte pour adultes. Je voulais inviter un monde.

J’adore le titre Le Déluge. Est-ce que l’Orient s’est penché sur toi pour ce titre ?

C’est joli ! 😉
D’une façon plus large, je me suis connectée à ma voix ancestrale. Il y a une sorte d’harmonie sans âge qui s’est inscrite dans le chant tout de suite, dès la maquette. Je me suis sentie femme primaire au moment de la composition.
C’est ce que tu entends.
Je suis très associée à la chanson, ces harmonies je n’aurais pas pu les trouver en composant avec l’accordéon ou le ukulélé. C’est en ça que je parle de voix primaire.
Il y a aussi l’histoire de la femme dans le monde, la femme et son désir. Des questions anciennes.

Une punchline d’enfer pour inciter tout le monde à voir ton spectacle ?

Si tu veux que tes monstres retrouvent leur place, viens voir Le Déluge.

Le Déluge c’est aussi ouvrir de nouvelles voies artistiques ? 

Je ne l’ai pas pensé comme ça, mais c’est ce que l’on me renvoie du projet.
J’ai l’impression qu’à chaque nouvelle proposition, j’avais ce retour.
Je vis ça comme une expérience renouvelée, un terrain de jeu total, ne me posant jamais la question du résultat.
Je laisse donc la possibilité à un résultat inattendu 😉
Le Déluge
Zaza Fournier avec Diane Villanueva et Juliette Serrad

Ce spectacle, tu le portes depuis longtemps ? 

J’ai la sensation que tout ce que j’ai fait ces 10 dernières années c’était pour faire ce spectacle. Bien sûr, je suis partie de la forme la plus légère possible, toute seule, à parler beaucoup entre les chansons. Et puis il fallut que je me concentre sur la forme guitare-basse-batterie pour attraper ma “légitimité de chanteuse“.
Ma dernière fois, on était deux sur le plateau et je tendais vers ce spectacle. Avec Le Déluge, j’assume d’où je viens, mes désirs de casser le cadre.

La femme en 2018 a-t-elle encore des choses à prouver ? 

Je pense immédiatement à des femmes, sœurs, cousines d’autres pays, pour qui s’est un enjeu de chaque jour d’être femme et de tenter de trouver une sorte de liberté.

Sous nos latitudes aussi, en France, en Paris. L’actualité nous le dit haut et fort.
Il y a une violence latente auxquelles les femmes doivent faire face, mais les hommes aussi.
Ce qui est étrange dans cette violence-là c’est le poids de l’histoire que l’on se traine. Le regard de l’autre, le quotidien est un reliquat d’une violence sourde présente depuis l’origine.

Mélanie Doutey m’a répondu ne pas croire qu’un artiste est libre. Quel est ton sentiment ?

J’essaie de trouver ma liberté dans le fait d’être au plus près de ma singularité. Mais c’est remis en jeu tout le temps. Et il est très dur de s’échapper du cadre.
Le Déluge parle de ça : vivre c’est obéir à un cadre ou tenter de désobéir à celui-ci. Et là, ça dépasse le genre.

La liberté est quelque chose de conceptuel et tout à fait relative.

Le rapport au public a changé ? 

Ce qui est différent, c’est que les chansons ne sont pas sorties. Les spectateurs sont dans la découverte totale. Au début, des gens sont déstabilisés, surpris, crispés aussi. Certains ont sans doute peur de l’endroit où je les emmène.
Mais le moment où ça se dénoue c’est hyper émouvant. Ça donne envie de jouir tous ensemble 😉
Le spectacle impose une écoute hyper active. Tout le monde est acteur du spectacle.
Mes chansons vont chercher quelque chose d’intime.
Je suis très émue de certains bouleversements.

Penses-tu que tu deviendras folle un jour ?

C’est une de mes angoisses profondes. Ma théorie : les fous ne sont pas fous et c’est nous les sains d’esprit qui sommes à côté de la plaque.
Ça nous pend tous au nez. J’ai un bon terrain.
Je pense que l’on est extrêmement facile et que c’est balèze de vivre. On est sans arrêt solliciter de corps et d’esprit. Et on tient, tout en gérant nos pulsions internes.

Qui tentes-tu d’imiter ?

Je ne parlerai pas d’imitation. Des gens m’inspirent beaucoup.
Un ami m’avait conseillé : pense aux gens que tu aimes entendre. Et c’est les gens que l’on dit fous que j’aime entendre comme Sébastien Tellier, Brigitte Fontaine.
L’œuvre de Brigitte me porte beaucoup. Il y en a peu des poétesses-artistes-interprètes totales, comme elle.

T’es-tu découvert le meilleur moyen d’évasion ?

Depuis toujours, je lis, trop, il parait.
Le monde ne m’intéresse pas tant et il est souvent plus intéressant dans les livres. Si c’était un métier, ce serait un truc qui me ferait de l’œil : lire toute la journée ! Ça ferait concurrence à la musique.

Zaza Fournier

Garçons est une aventure révélatrice de ton autre part ?

Absolument ! Je suis vernie : j’ai le luxe d’explorer l’endroit de la masculinité qui est en moi. Quand on cherche dans la vie, on t’emmerde.
Tu fais un spectacle pour te révéler ça, on paie pour te voir : c’est une idée qui me réjouit beaucoup. De travailler avec d’autres artistes Carmen Maria Vega, Cléa Vincent et Raphaël Thyss notre musicien, ça fait énormément progresser, musicalement, vocalement.
Je ne voyais pas chanter Avec le temps. Non a été un réflexe et c’est Carmen qui me l’a proposé.

Interview by Alexandre

Zaza Fournier

Zaza Fournier
avec Diane Villanueva
(rythmique et chant) et Juliette Serrad (Violoncelle et chant)

Le Déluge
spectacle-musical

Page FB officielle : ZazaFournier

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